Bob Varela News

La colección Otoño-Invierno 2024-2025 de Jason Wu nos lleva a un viaje por el enigmático reino del bosque oscuro, fusionando elementos de fantasía con un toque de oscuridad e intriga. Partiendo de sus anteriores exploraciones acuáticas, Wu se adentra en una narrativa que combina el encanto de los cuentos de hadas con un nuevo sentido de la deconstrucción y la belleza cruda.

En una audaz desviación de su imagen anterior como el favorito educado y adecuado de la moda, Wu adopta una personalidad más matizada, una que busca desafiar las nociones convencionales de elegancia y refinamiento. Inspirándose en Charles James, el legendario diseñador conocido por su meticulosa artesanía, Wu explora el concepto de belleza que trasciende la perfección, revelando el funcionamiento interno de sus prendas con una imperfección deliberada.

La colección es un testimonio de la evolución de Wu como diseñador, ya que continúa ampliando los límites de la ropa deportiva estadounidense mientras mantiene su estilo característico para la sofisticación femenina. Combinando a la perfección prendas separadas con vestidos etéreos, Wu presenta una gama de looks que exudan fuerza y vulnerabilidad.

La suavidad y la calidez emocional impregnan la colección, ya que Wu incorpora técnicas de drapeado y envoltura que recuerdan a las tendencias recientes vistas en Copenhague y Nueva York. Los vestidos plisados de estilo Fortuny evocan una sensación de textura orgánica, inspirándose en los intrincados dibujos a tinta del ilustrador del siglo XIX Arthur Rackham.

Los looks finales rinden homenaje a los legados de Charles James y Yohji Yamamoto, adoptando una sensación de deshecho que desafía las nociones convencionales de belleza y perfección. Al exponer la construcción de sus prendas, Wu inicia un diálogo sobre el arte y la complejidad inherentes al proceso de diseño de moda, invitando a los espectadores a reconsiderar sus percepciones de la belleza y la artesanía.

La colección Otoño-Invierno 2024 de Cate Holstein para Khaite no fue solo un desfile de moda; Fue un viaje hacia adentro. Reflejando una tendencia más amplia en la NYFW, la colección profundizó en temas de autorreflexión, memoria y búsqueda de paz en el presente. En medio de un mar de diseñadores que exploran la salud mental y el cuidado personal, Holstein ofreció su propia perspectiva matizada.

Para Holstein, ganadora del premio CFDA Women’s Designer of the Year y una estrella en ascenso que se enfrenta a los mismos desafíos que muchos diseñadores independientes, este viaje introspectivo se tradujo en prendas inquietantemente hermosas. La pasarela de espejos sirvió como un poderoso símbolo, obligando tanto a las modelos como al público a enfrentarse a sus propios reflejos. Las piezas de gazar de seda y los vestidos drapeados capturaron momentos fugaces, mientras que un espectacular vestido negro, sujetado con alfileres y reelaborado en el acto, ejemplificó el elemento siempre presente del azar y la necesidad de abrazarlo.

Los toques personales se entretejieron a través de la colección, desde guiños al estilo glamoroso de su madre hasta la vulnerabilidad inherente a cualquier actividad creativa. Los esculturales abrigos de cuero en siluetas atrevidas, piezas distintivas de Khaite, se reinventaron con detalles divertidos, mientras que las faldas de cintura de bolsa de papel y la sastrería cuadrada ofrecieron nuevas interpretaciones de los favoritos familiares. Las deliciosas pieles sintéticas en colores inesperados, como el rojo lápiz labial, agregaron un toque de fantasía, y los vestidos de gasa delgados flotaron por la pasarela como volutas de recuerdo.

“El mensaje estaba en la fuerza de la vulnerabilidad”, explicó Holstein. Habiendo encontrado “un punto en la vida de verdadera calma y felicidad”, reconoció la dificultad de abrazar la alegría, pero finalmente nos animó a “sentarnos en la felicidad”. Esta colección fue más allá de la moda, ofreciendo un vistazo a su viaje personal y sirviendo como testimonio del poder de la autorreflexión. Nos recordó que encontrar luz en medio de las sombras a menudo radica en aceptar nuestras vulnerabilidades y reconocer las complejidades de nuestros paisajes

Inspirándose en la artista surrealista Leonora Carrington, Hearst creó una colección que exudaba riqueza y textura, que recordaba a la estética caprichosa de Carrington. La influencia de las obras icónicas de Carrington, incluido el retrato de su amante Max Ernst, impregnó la colección, infundiéndole una sensación de fantasía y encanto.

Para la alineación femenina, Hearst mostró una impresionante variedad de abrigos mixtos de piel de oveja y cachemira, “pieles” de lana de cachemira y vestidos de cachemira de lana con cuello en V similares a los de peluche. Cada pieza fue meticulosamente elaborada para evocar una sensación de opulencia y sofisticación, con ricas texturas y suntuosas telas en el centro del escenario.

Un punto culminante de la colección fue la introducción del bolso Carrington, un elegante accesorio en forma de caja disponible en una variedad de tonos exuberantes, incluida la sangre de buey. Esta adición subrayó aún más la atención al detalle y el compromiso de Hearst con la artesanía de lujo.

En una temporada dominada por la ropa de cuero, los diseños de Hearst destacaron por su inigualable calidad y artesanía. Desde abrigos de napa plisados a mano hasta vestidos lenceros de cuero de gamuza flexible, cada pieza fue un testimonio de la dedicación de Hearst a crear piezas que son tan cómodas como elegantes.

Fiel a su estilo característico, Hearst combinó a la perfección diferentes materiales para crear prendas híbridas que eran a la vez innovadoras y elegantes. Desde elegantes abrigos de punto de cachemira negra y borreguito marfil hasta vestidos modernistas de napa metálica dorada y vestidos esculpidos de seda de corte al bies, cada pieza mostró el dominio de la ingeniería orgánica de Hearst.

La colección Otoño-Invierno 2024-2025 de Ulla Johnson fue una sinfonía de calidez, belleza y facilidad, presentada en medio de una escultura de Andrew Ondrejcak y Abby Cheney diseñada para evocar “una sensación cálida, envolvente y embrionaria”. Este sentimiento impregnó las propias prendas, con cortes holgados que se equilibraban con piezas que acentuaban el cuerpo, desafiando las nociones tradicionales de feminidad y masculinidad.

Por primera vez, la pasarela de Johnson vio una presentación mixta, difuminando las líneas entre la ropa femenina y la masculina. No se trataba de una mera elección estética; Sirvió como una declaración contra las categorías de moda establecidas, enfatizando la libertad de expresión individual a través de la ropa. “Se trataba más bien de explorar por qué existe este límite artificial”, explicó Johnson, reconociendo a los muchos hombres que ya adoptan sus diseños.

Elementos clásicos como el cachemira, el encaje y la corsetería se reinterpretaron con el toque artesanal característico de Johnson. Los vestidos de cachemira tejidos a mano y las faldas adornadas en blanco y negro irradiaban elegancia, mientras que la sastrería holgada y las siluetas sin restricciones garantizaban la comodidad. Las destacadas prendas de abrigo de piel de oveja de intarsia añadieron un toque de calidez, mientras que las colaboraciones de K-Way aportaron funcionalidad resistente al agua a los estampados ikat.

La inclinación de Johnson por los colores llamativos fue evidente en los tonos saturados inspirados en Milton Avery que adornan las capas monocromáticas y las prendas de punto. El vestido de lana de fieltro en púrpura vibrante que abrió el desfile mostró esta audacia, mientras que los vestidos de punto con bordes “distorsionados” agregaron un toque divertido.

Las piezas de noche encarnaron la fluidez y la facilidad, ejemplificadas por el espectacular vestido plisado metálico dorado aplastado que brilló en la pasarela. Esta colección trascendió la mera estética, ofreciendo un espacio para la expresión individual y desafiando los límites de las categorías de moda tradicionales. Fue un testimonio de la visión artística de Johnson y su compromiso de crear prendas que sean hermosas y cómodas, independientemente de quién las use.

Nili Lotan refina su visión de la vestimenta urbana moderna para la temporada Otoño-Invierno 2024-2025, inspirándose en los tejidos de la moda masculina y las siluetas clásicas, con sutiles guiños al estilo campestre de la reina Isabel II y a sus propias raíces de Ralph Lauren.

Una chaqueta militar marrón vintage con botones dorados es la piedra angular de la colección. A partir de este punto de partida, Lotan se embarca en un viaje a través de tejidos inspirados en la moda masculina (cuadros, pata de gallo y espigas) reinventados para la mujer urbana. Mientras que el moodboard evoca la campiña inglesa, Lotan hace hincapié en la practicidad para su clientela neoyorquina.

Las texturas lujosas toman protagonismo en chaquetas cuadradas de tweed con botones dorados, combinadas con camisas de cambray y pantalones cargo de pana. La colección celebra la sastrería relajada con hombros afilados, ofreciendo una interpretación moderna de los básicos de la moda masculina. El denim juega un papel clave, que sigue evolucionando con un traje gris de rayas diplomáticas y una versión elegante de la chaqueta de overol. Abundan las opciones de capas, con prendas de abrigo clásicas como gabardinas con cinturón y chaquetas de cuero que brindan toques finales versátiles.

Lotan reconoce la sutil influencia de su tiempo en Ralph Lauren, afirmando la alegría que encontró en su “mundo” y su propia dedicación a refinar la vestimenta urbana moderna. El resultado es una colección que equilibra la elegancia de sastrería con la inspiración masculina, ofreciendo un vestuario sofisticado y práctico para la mujer contemporánea.

La colección Otoño-Invierno 2024-2025 de Jonathan Cohen palpita con el juego dinámico de luces y sombras, inspirándose en una fuente aparentemente inesperada: un concierto de Yeah Yeah Yeahs hace años. El vibrante espectáculo de luces se traduce en un juego matizado de negros y detalles luminosos, cada uno meticulosamente elaborado para evocar emociones y contar una historia.

Cohen maneja hábilmente el negro como su lienzo principal, pero está lejos de ser monótono. Los estampados sombríos caen en cascada en los vestidos fluidos, mientras que los intrincados bordados de tela explotan como confeti en las faldas. En un testimonio de prácticas sostenibles, las telas sobrantes encuentran nueva vida en estos adornos, cada pieza susurra su historia de origen única. La luz emerge a través de hilos dorados meticulosamente cosidos a mano que adornan una elegante chaqueta negra, que recuerda a las marcas de los carriles de tráfico que reflejan los faros de los automóviles, un sutil guiño a la anticipación antes de que llegue la música.

La colección combina a la perfección elementos estructurados con toques lúdicos. Una chaqueta negra entallada encuentra un contrapunto en una falda vaquera escalonada, cuyos detalles anudados añaden un toque de fantasía. Este motivo se repite en abrigos y vestidos de satén, infundiendo a la colección un estilo característico.

El compromiso de Cohen con el arte brilla a través de los detalles hechos a mano. Las mangas abullonadas de un vestido de algodón ganan volumen gracias a un ligero relleno, mientras que un vibrante traje de tweed, meticulosamente tejido durante tres meses, evoca la fascinante estática de una pantalla de televisión. Estos elementos muestran la dedicación y el amor vertidos en cada prenda, elevándolas más allá de la mera moda a obras de arte.

Más que estética, esta colección lleva un mensaje más profundo. En un mundo que lidia con la incertidumbre, Cohen busca cumplir su autoproclamado propósito: “traer algo de alegría al mundo”. Cada pieza se convierte en un testimonio del poder transformador de la creatividad, recordándonos que la moda puede ser una fuente de luz y belleza, incluso en medio de la oscuridad.