Bob Varela News

Rebecca Hessel Cohen mantiene el Y2K en el calendario. Para la primavera-verano de 2027, la diseñadora desfiló en el nuevo Dante en Elizabeth Street en Nolita el 10 de septiembre, con una colección que recordaba su propia juventud de los años 2000 en Nueva York.

Entre bastidores, Hessel Cohen describió cómo creció idolatrando a editores de revistas, publicistas y acondicionados del centro — un glamour previo a las redes sociales que, en sus palabras, era un bucle de trabajo, salir, unas horas de sueño y repetir. Para SS27 no intentaba recrear tanto el aspecto de la época como su espíritu libre.

Eso se tradujo en prendas que resultarán familiares para cualquiera que alguna vez usó los catálogos de Delia*s: cinturones de bufanda brillantes, vestidos de flores y muchos pantalones de talle bajo. El enfoque de Hessel Cohen es primero personal, dijo, siempre volviendo a ese tiempo porque le parece cercano, y luego actualizándolo con un toque actual.

Dentro de Dante, el ambiente estaba marcado para “Dreams” — tanto las versiones de The Cranberries como de Fleetwood Mac — pero la primera fila lo mantuvo firmemente en 2026, con miembros del reparto de Love Island y Real Housewives of Beverly Hills y sus equipos de cámara presentes.

El instinto de más es más de la casa se mantuvo, pero con un contrapunto más duro esta temporada. Chaquetas vaqueras con dobladillo crudo y pantalones cargo bordados con flores añadían un toque especial a los volantes y florales.

El look final insinuó lo que le espera a la marca: un vestido de novia con ojales salpicados de lentejuelas cerró el desfile, señalando un mayor impulso hacia la novia para la chica de LoveShackFancy.

Jackson Wiederhoeft presentó Primavera-Verano 2027 en la Semana de la Moda de Nueva York el viernes 11 de septiembre. Si no fuera por la multitud de fotógrafos al final de la pasarela, uno habría pensado que se esperaba una función teatral en el teatro New York Live Arts en lugar de un desfile — un formato que se ha convertido en sinónimo de la marca neoyorquina y su enfoque de la ropa como narración.

El diseñador enmarcó la colección como un apocalipsis bellamente vestido. La premisa, tal y como se explica en la reseña de Fashionista, era una colección hiperfemenina ambientada durante el último día en Planet Silk. El acto de apertura marcó el tono: una enorme representación de una cabeza fue el centro del escenario, con cuatro modelos cubiertas de pies a cabeza con vestidos grises, fruncidos y ceñidos, caminando y posando lentamente alrededor de ella. Luego las luces se atenuaron y comenzó el verdadero espectáculo, con las figuras grises continuando en círculos mientras entraban dos modelos adicionales con voluminosos vestidos de gala.

A partir de ahí, la colección se centró en lo que Wiederhoeft es conocido: ropa de noche y novia, con looks espalda con espalda definidos por corsetería intrincada, bordado de cuentas y detalles de encaje. Para la primavera de 2027, el equilibrio se inclinó más hacia lo hiperfemenino y femenino que en temporadas anteriores, una elección deliberada para honrar al cliente mientras la marca pasa a una colección al año. La suavidad se apoyaba en la estructura, aparecían formas ajustadas junto a proporciones exageradas y detalles refinados tenían suficiente presencia para convertirse en puntos focales. Los delicados detalles se encuentran con siluetas escultóricas, con un énfasis en la artesanía que aporta a la ropa una sensación de intimidad y ocasión.

El final subrayó la narrativa teatral. Para cerrar el desfile, una modelo desfiló con un vestido drapeado de tono crema y brillante sosteniendo un bebé falso — un símbolo que el diseñador dejó abierto a interpretaciones. Fue un final adecuado para una colección que trata el romance no como una feminidad tradicional, sino como un estado de ánimo expresado a través de la silueta, la textura, el adorno y el movimiento, ofreciendo ropa de noche que se siente juvenil, artística y cargada de emoción, pero aún arraigada en una construcción de alta costura.

Magda Butrym llegó a la Semana de la Moda de Nueva York Primavera-Verano 2027 el 13 de septiembre con impulso. A pesar de los aranceles que afectaron a su mercancía el año pasado, Estados Unidos sigue siendo su mercado más grande y de más rápido crecimiento, y esta semana abrió una nueva tienda en Mercer Street, en SoHo. Para una marca autofinanciada, es un gran paso — y Butrym ha dicho que la energía de Nueva York, donde diseñadoras como Tory Burch, Rachel Scott y Veronica Leoni dominan, ha sido estimulante.

Para SS27, mostrada en Nueva York, recurrió a la artista polaca Natalia LL, una figura pionera que llegó a Nueva York desde detrás del Telón de Acero y utilizó su obra para desafiar las visiones patriarcales, el consumismo y el comunismo. Butrym se conectó con esa historia de una artista mujer luchando por el espacio en una ciudad difícil.

El cambio era visible en la ropa. Conocida por sus chaquetas de cuero y siluetas estructurales de cintura ceñida, Butrym se centró esta temporada en la ligereza. Una gran parte de la colección rediseñó el delantal, inspirada en el recuerdo romántico de su abuela en la cocina. Superpuso sedas translúcidas en múltiples combinaciones, construyendo looks translúcidos a partir de paneles superpuestos.

Los momentos más fuertes llegaban cuando esa ligereza se encontraba con algo más realista. Un vestido nude de largo midi, llevado bajo una trinchera translúcida con bolsillos llenos de rosas, equilibraba delicadeza con autocontrol — el tipo de look en el que una versión mini podría estar fácilmente en un armario del centro. El final, con un peinado de los años 60, medias y perlas, se inclinaba hacia una visión más melancólica de la tradición. El guiño de primera fila a esa tensión entre la domesticidad y la modernidad fue Nara Smith.

Para su base de fans más fijo, Butrym mantuvo las señas de identidad: una americana estructurada con plumas rebotando en el escote, un vestido de cóctel con plumas en el busto, medias combinadas con ropa interior de ganchillo y vestidos sin mangas con botones sobre slips que recordaban a sus vestidos de casas de resort.

Nueva York la está impulsando a pensar más en la portabilidad, y SS27 me pareció un paso en esa traducción — tomando su feminidad de alto octanaje y haciéndola más ligera, con capas y más cercana a lo cotidiano.

El 13 de septiembre, Sergio Hudson cambió el habitual laberinto de almacenes y azoteas de la Semana de la Moda por glamour. Su pasarela primavera-verano 2027 ocupó el Art Deco Rainbow Room en 30 Rock, con vistas panorámicas y una hora cóctel previa al desfile que ya se sentía cinematográfica.

La referencia era espionaje, pero invertida. En lugar de la clásica introducción de Bond, Hudson centró a la mujer como agente y al hombre como figura secundaria. Encajaba de forma natural para una diseñadora cuya fortaleza siempre ha sido una sastrería afilada, imponente y sexy, hecha para una mujer al mando.

Esa idea se presentó en la primera salida: una americana roja de hombros afilados sobre un vestido rojo estructurado con una abertura alta en la pierna, acompañado de un amplio pañuelo de gasa. Encubierto no — fue construido para ser notado.

A partir de ahí, Hudson se inclinó hacia lo que vende, sin pedir disculpas. Esta era una colección comercial, refinada en lugar de disruptiva, lo cual encaja en el momento. Los trajes falda estaban cortados con su habitual precisión, uno detallado con ribetes y forros verde neón. Los vestidos sin mangas Bodycon venían en naranja llamativo y azul cobalto. Monos escotados — una seña de identidad de Hudson y un clásico código de Bond girl — estaban presentes por todo el juego.

La moda masculina, que Hudson ha ido expandiendo poco a poco, siguió alejándose de los trajes tradicionales. Las modelos llevaban camisetas y pantalones de seda en blanco sólido o negro, ceñidos con cinturones o fajillas, además de chaquetas de noche en satén amarillo y morado — un descanso bienvenido de la ropa masculina segura.

Eveningwear cerró el espectáculo y dio el punto culminante. Un vestido de seda gris bronce sin tirantes combinado con una estola de gasa transparente encabezó el final, vestido con un elegante collar de joyería que marcó la primera colección de diamantes de Hudson. Diamantes de verdad, con seguridad a juego.

Para la primavera-verano 2027, presentada el 13 de septiembre en la Semana de la Moda de Nueva York, Area regresó a Nueva York en más de un sentido.

El cofundador Nicholas Aburn trasladó el estudio de diseño de la marca de Milán a Nueva York durante el verano, lo que supuso un plazo más ajustado y menos recursos. El resultado fue un espectáculo más corto y agudo, pero con la imaginación intacta. Aburn ha descrito esta temporada como sintonizada con un nuevo sentido de inocencia, inspirado por una experiencia psicodélica reciente que le hizo ver a todos como una versión infantil de sí mismos — una sensación de felicidad pura que quería llevar en la ropa.

Eso se tradujo en franqueza y un enfoque lo-fi en la construcción. Los vestidos metálicos destrozados estaban hechos de tela de lentejuelas antes de que las lentejuelas fueran sacadas con un puñetazo, dejando tras de sí un fantasma de brillo. Otros looks de flecos se construían con camisetas empalmadas o con hilos de perlas, cuentas y conchas, sencillos en el método pero de gran impacto en la pasarela.

Aburn equilibraba las frases de alto brillo con piezas cotidianas que aún se sentían como Area. Había vaqueros espaciosos con manchas de tinta que goteaban de la cintura, camisetas dulces con bordes de plumas, camisetas bajo camisetas de malla de segunda piel y camisetas grandes metidas y metidas en sujetadores con pajarita.

Era una colección que entendía cómo se viste realmente el grupo de fiesteros de Area — para la fiesta y para la mañana siguiente.

Christian Cowan presentó su colección primavera-verano 2027 en la Semana de la Moda de Nueva York el 11 de septiembre, con Old Hollywood como punto de partida, pero se acercó desde el backstage en lugar de la alfombra roja.

El look de apertura señalaba esa intención: un esmoquin vaquero claro con paneles negros gruesos y cierres retro. Era una versión tosca y deshechada del glamour de la Edad de Oro, y esa tensión se mantuvo durante el resto del espectáculo. Cowan se interesaba por la brecha entre la imagen pulida de los iconos de la gran pantalla y las realidades más difíciles de sus vidas públicas, y la colección se presentaba como una carta de amor a mujeres que usaban el glamour como forma de lenguaje codificado.

Las firmas clásicas se reinterpretaron con un toque contemporáneo de fiesta. Vestidos sin saltas, caftans con ribetes de piel y vestidos de noche con cuentas estaban cortados para parecer algo desaliñados, como si hubieran sido reinventados para una noche de club de los 2000. Por ejemplo, una engobe de seda crema se terminaba con bordes raídos y crudos en la espalda, con una correa que se deslizaba del hombro.

La elección de tejidos fue central en la temporada. Cowan trabajó con textiles vintage procedentes de los años 20 a los 50, una dirección inspirada por su trabajo reciente en vestuario y Broadway. En lugar de reproducir piezas de época, dejó que los materiales dictaran el diseño mientras los subvertia. Un vestido transparente, sin tirantes, de color amarillo quemado, estaba confeccionado con un velo de novia de 1946 teñido y combinado con paneles de seda. Un vestido de tafetán sin tirantes con volantes en el escote fue confeccionado con tafetán teñido de los años 50.

La colección marcó un momento más maduro para la diseñadora, cuyas temporadas anteriores se han inclinado mucho hacia la moda de la escena juvenil de fiesta neoyorquina, aunque esa sensibilidad se mantuvo en un corpiño completamente cubierto de cristales. En otros lugares, el enfoque en la artesanía era más claro, incluso cuando el resultado se inclinaba deliberadamente hacia lo cutre y chic.

Eso se hizo especialmente evidente en el final: un vestido de encaje rojo con caderas acolchadas exageradas, que hacía referencia a la ropa interior restrictiva de la época y a las siluetas que nunca debían verse en público. Cerró el espectáculo con un guiño a la imitación y el espectáculo — muy intencionado para un cartel construido en torno a reexaminar la iconografía de Hollywood.