Bob Varela News

Marina Hoermanseder no se adaptó a la primavera-verano de 2027 — se lanzó con ello. Para Outer Space, presentada en la Haus der Visionäre de Berlín-Treptow durante la Semana de la Moda de Berlín el 3 de julio, la diseñadora abrió con un vídeo de sí misma en la cabina de un cohete, dejando caer el telón directamente en una colección construida en torno a viajes interplanetarios, referencias a planetas desérticos y su característico cuero esculpido.

La presentación comenzó con una secuencia de vídeo que mostraba al diseñador en la cabina de un cohete preparándose para el lanzamiento. Al caer el telón, la película dio paso a la pasarela en directo, una entrada que recibió una respuesta inmediata y audible por parte del público. La puesta en escena estableció el tono de una colección que trata la partida tanto como tema literal como recurso estructural.

El sonido reforzó el concepto durante todo el juego. La banda sonora se movía por una mezcla enérgica de pop y Eurodance, incorporando temas asociados a Scooter junto a temas de la banda sonora de Star Wars. La progresión musical apoyó el ritmo del espectáculo, alternando entre momentos de ritmo acelerado y pasajes más cinematográficos sin alterar la coherencia general de la presentación.

En la pasarela, la colección combinó dos lenguajes visuales distintos. Una de las secciones ofrecía looks coloridos inspirados en el espacio que hacían referencia a los vestuarios clásicos de la ciencia ficción. El otro se centraba en siluetas color arena inspiradas en Dune, ejecutadas en cuero moldeado que moldeaba el cuerpo mediante paneles estructurados y costuras esculpidas. El detallado superficial incluyó aplicaciones de cristales Swarovski dispuestas como paisajes lunares, junto con elementos de Pop Art integrados en las prendas. Beauty completó la narrativa a través de clavos de cristal desarrollados en colaboración con essie x Hoermanseder, ampliando el vocabulario material de la colección más allá de la ropa.

Con Outer Space, Hoermanseder consolida su obra emblemática en la artesanía del cuero y la corsetería escultórica dentro de un marco más amplio de la cultura pop. Al organizar el desfile en Haus der Visionäre y anclar la colección en referencias cinematográficas reconocibles, la presentación Primavera-Verano 2027 sitúa la Semana de la Moda de Berlín en un contexto accesible y orientado al entretenimiento, manteniendo la precisión técnica que define el enfoque de la casa hacia el cuero moldeado y los adornos.

El 3 de julio, en la Semana de la Moda de Berlín, Laura Gerte presentó su colección Primavera-Verano 2027, titulada Lost to Virtue, en el vestíbulo superior del Berliner Ensemble. El desfile continuó el trabajo de la diseñadora con siluetas radicales que fusionan la feminidad cruda con una sensibilidad punk orientada al futuro. Cada pieza se desarrolla a partir de ropa recuperada, material muerto o textiles reciclados, reingenierizados en híbridos que conservan rastros de sus vidas anteriores, permitiendo que el movimiento, el giro y la tensión definan la forma.

El marco conceptual se basa en el Manifiesto Feminista de Mina Loy, escrito en 1914 y publicado en los años 70. Gerte aborda el desmantelamiento de la virtud por parte de Loy como mecanismo de control, una construcción histórica que posicionaba a las mujeres como invisibles dentro de sus propios cuerpos y silenciosas dentro de su propio deseo. La colección traduce ese rechazo en ropa, enmarcando el acto de perderse en la virtud como una redirección hacia una forma diferente de presencia. La tensión resultante entre fragmentación y audacia informa la actitud general de la temporada.

La construcción se aparta de la elaboración clásica de patrones en favor de la manipulación textil y el drapeado modular. Siluetas con tilido, hechas de pañuelos de seda vintage teñidos a mano, se ajustan al cuerpo, mientras que sus equivalentes en plissé, reciclados de bufandas vintage de poliéster, se mueven con mayor fluidez alrededor de la figura. Ambos enfoques emplean pliegues y drapeados para revelar y ocultar simultáneamente, uno funcionando a través de la tensión y el otro mediante la facilidad. El método produce formas que son indisciplinadas por diseño, priorizando el movimiento sobre la estructura fija.

El uso característico de Gerte de camisetas vintage recicladas regresa en una versión más reducida. Los vestidos blancos y las prendas negras con tirantes conservan los cuellos originales, recolocados como recortes en las caderas, mientras que las tirantes estrechas siguen el cuerpo y acentúan el movimiento. La malla de doble capa completa la gama, apareciendo en variaciones puras, fruncidas y adornadas, algunas además articuladas con fragmentos de camiseta y correas adicionales. La elección de materiales mantiene el equilibrio de la colección entre fragilidad y resiliencia, provocación y suavidad.

Lost to Virtue se posiciona como el capítulo final de un tríptico dedicado a explorar la feminidad pura, la propia experiencia de la diseñadora sobre la feminidad y cuestiones más amplias de identidad femenina. La presentación, estilizada con gafas por Mykita, con sede en Berlín, recontextualizó el histórico espacio teatral a través de una luz roja difusa y un entorno sonoro inmersivo, transformando su carácter establecido en algo más cercano a un sueño febril. Con dirección creativa de Gerte, producción de Elli Crespo, dirección de estilismo de Luisa Probst, dirección de peluquería y maquillaje de Philipp Verheyen, reparto de Benedikt Verheyen, diseño de escenografía de Marilena Büld y dirección de movimiento de Dafni Krazoudi, el espectáculo se sitúa en un espacio suspendido ante una siguiente definición, operando con un sentido de libertad y deliberada rebeldía.

El 2 de julio en Berlín, Mariusz Przybylski presentó su colección de moda masculina Primavera-Verano 2027, Kick Off, como parte de la Semana de la Moda de Berlín. Presentada a lo largo de treinta looks, la colección se centra en la identidad y la belleza productiva de los opuestos, situando una comprensión contemporánea de la masculinidad en su núcleo. La obra se moldea por parejas que normalmente se mantienen separadas: ligereza con fuerza, precisión con alegría, herencia y actitud personal.

Para el diseñador, la presentación tenía una resonancia particular. Berlín fue la ciudad donde debutó fuera de Polonia hace más de diez años, y regresar con Kick Off tras veinte años de práctica marcó un regreso a sus inicios en la moda masculina. La ocasión funcionó no solo como una presentación en la pasarela, sino como un momento de reflexión sobre sus orígenes y sobre cómo su lenguaje de diseño se ha desarrollado con el tiempo.

A lo largo del cartel, la colección oscila entre precisión y energía. Los tejidos ligeros y la seda introducen fluidez, contrastando con construcciones sólidas, formas arquitectónicas y estampados expresivos. El color sigue la misma lógica de contraste, con el rojo junto a menta y amarillo, verde combinado con plata, y rosa encontrándose con verde. En lugar de avanzar en una sola silueta, la obra explora el equilibrio, la suavidad frente a la estructura, la elegancia frente a la facilidad, el refinamiento frente a la fuerza, logrados mediante elementos a medida, proporciones recortadas y superficies diseñadas para mantener la tensión visual.

La puesta en escena extendió la premisa de la colección al espacio. La exposición se celebró en un edificio realista-socialista en el este de Berlín, donde el carácter industrial de la arquitectura se contrastó con decoraciones artesanales inspiradas en el arte popular polaco. El contraste entre pesadez y ligereza, pasado y presente, tradición y modernidad, reflejaba el interés de la ropa por los opuestos no resueltos. La presentación estuvo acompañada de jazz polaco interpretado por una mezcla de artistas emergentes y consagrados, y el casting se realizó íntegramente en Polonia, con énfasis en la personalidad y el carácter más que en los ideales convencionales de belleza.

Con Kick Off, Przybylski propone la masculinidad como una actitud más que como una imagen fija, abierta, consciente, segura y orientada al movimiento. La colección defiende una definición fluida que pueda acomodar fuerza y ligereza, elegancia y libertad, permitiendo que la tensión siga siendo productiva sin requerir resolución. Al dialogar referencias a la artesanía polaca con un contexto berlinés, la muestra posiciona el patrimonio y la energía contemporánea como fuerzas complementarias dentro del vocabulario moderno de la moda masculina.

El aire se vuelve pesado antes de que llegue la primera gota. Rebekka Ruetz construyó su colección primavera-verano 2027, Petrichor, en torno a ese mismo turno, presentándola en Motorwerk Berlin durante la Semana de la Moda de Berlín el 4 de julio. La obra toma su título del aroma que se libera cuando la lluvia se encuentra con la tierra seca, traduciendo la tensión atmosférica antes de una tormenta veraniega — calor sobre la piel, aire espesante, cambio de luz — en forma, superficie y construcción.

A partir de ese momento de presión y liberación, la colección desarrolla un lenguaje de densidad y permeabilidad. Las siluetas operan dentro de un marco minimalista vanguardista estructurado en torno a las formas de H y X. Corsés escultóricos, hombros bajos y chaquetas cortas oversize establecen nitidez y precisión, con volumen generado a través de superficies firmes y proporciones cuidadosamente diseñadas. Esa severidad se ve deliberadamente interrumpida por un pequeño grupo de piezas más suaves: vestidos de encaje, voluminosas construcciones de malla y capas transparentes que revelan la piel y aflojan el control arquitectónico del material clave de la colección.

El contraste material impulsa la narrativa. Las telas deadstock forman la base, unidas por encaje, malla y algodón de punto, junto a una suave chenilla desarrollada exclusivamente con FEILER. La superficie definitoria es la piel de manzana, hecha de desechos de manzana, que aporta estabilidad y una mano seca, casi como papel. Frente a ella, Ruetz coloca cristales Swarovski, perlas y piezas de joyería de gran formato que funcionan como equivalentes visuales al agua y la luz: gotas, reflejos y humedad atrapadas en la tela y la piel. El tejido de punto amplía la idea en beige con detalles dorados y negro con plata, como finos trazos de luz que atraviesan el material.

La presentación en Motorwerk fue concebida como un entorno sensorial completo en lugar de una pista convencional. El gran espacio abierto permitió que el tema de carga y liberación escalara espacialmente, combinando elementos de instalación con una exposición escenificada. Una película de moda de apertura atrajo al público al mundo de Petrichor, con luz, espacio, aroma y sonido guiando a los invitados desde la entrada. Ruetz describe el momento de la tormenta como profundamente vivo y eufórico, al tiempo que ofrecía alivio, una intensidad que intentaba llevar a la ropa. Guiada por el proceso y basada en la sostenibilidad, la marca trabaja principalmente con materiales reciclados, reciclados y deadstock, utilizando estructuras firmes y suaves, estrictas y abiertas en oposición para lograr una firma precisa y sensual.