Bob Varela News

AZZOPARDI debutó en París el 7 de julio durante la Semana de la Alta Costura de París Otoño Invierno 2026-2027, presentando la Colección Artesanal 2026 en el calendario oficial. La casa maltesa aprovechó la ocasión para presentar su lenguaje de alta costura en París, centrando el desfile en el velo tanto como concepto como método de construcción.

La colección tomó su estructura de la figura de Salomé y sus siete velos, entrelazados con la mitología de la g?onnella maltesa, el histórico manto encapuchado del país. En lugar de tratar los velos como simples capas que hay que quitar, AZZOPARDI exploró el velo a través de la ingeniería de alta costura, donde el ocultamiento y la revelación se integran en las costuras, los pliegues y los fundamentos estructurales. El diálogo entre el striptease performativo de Salomé y la arquitectura de modestia de la g?onnella permitió al estudio examinar fuerzas opuestas, seducción y protección, exposición y cercamiento, dentro de una sola prenda.

La experimentación textil y el trabajo artesanal impulsaron la ejecución. El atelier trabajaba con superficies manipuladas a mano, drapeados precisos y tratamientos experimentales de tejidos para crear velos que cambian en opacidad, peso y movimiento. Este enfoque se alinea con la práctica establecida del estudio de fusionar la investigación histórica con una estética decadente y un compromiso riguroso con la artesanía.

La referencia g?onnella se basa en la investigación a largo plazo del fundador Luke Azzopardi sobre la herencia del vestimenta maltesa. La diseñadora, costurera e historiadora del vestuario, publicó anteriormente G?onnella: Deconstructing the Garment, un proyecto que reimagina el traje nacional, y ha sido reconocida con el Premio Cultura e Moda por el Istituto Italiano di Cultura y reconocida por el Arts Council Malta.

Para el otoño invierno 2026-2027, ese legado se tradujo en términos de alta costura: velos funcionando como elementos estructurales más que como decoración, capas calibradas para revelar el cuerpo a través del movimiento y trabajos manuales usados para articular la tensión entre mito y material. Con este debut, AZZOPARDI situó la artesanía artesanal maltesa dentro de la conversación de alta costura parisina, utilizando a Salomé y la g?onnella no como referencias al vestuario, sino como herramientas para explorar cómo el velo puede definir la forma.

Silvana Armani presentó la colección Giorgio Armani Privé Otoño Invierno 2026-2027 el 7 de julio en la Paris Couture Week, su segunda aparición en solitario desde la muerte de su tío Giorgio Armani el pasado septiembre. El diseñador colocó los pantalones en el centro de la colección, describiéndolos como una base fácil y sensata para vestir de noche. En una temporada dominada por narrativas botánicas y acuáticas en otros ámbitos, Armani ofreció una alternativa notablemente directa centrada en la estructura vestible.

Los pantalones estaban cortados principalmente en satén grueso y terciopelo, con una intervención mínima más allá de algún que otro extra de tela en la pierna izquierda. La colección, titulada Boudoir, no se construyó en torno a un tema literal. En cambio, Armani buscó la seducción a través de la practicidad, enfatizando proporciones indulgentes y considerando la construcción por encima de la narración.

Los trajes de pantalón de noche dominaron la presentación. Las chaquetas alternaban entre siluetas alargadas y masculinas y formas cortas y deportivas de blouson, con adornos que iban desde lo contenido hasta lo ricamente detallado. Tras su primera colección de alta costura realizada en jade, el color siguió siendo el principal recurso narrativo. La paleta estaba anclada en un negro aparente, descrito en las notas del espectáculo como una mezcla iridiscente de verdes, marrones, rojos amaranto y azules que revelaba complejidad bajo la luz.

Aunque algunos tonos sonaban apagados y melancólicos, el azul medianoche destacaba, especialmente con un vestido con cristales y una chaqueta brillante y ajustada en diagonal marcada. Un abrigo de guisante de terciopelo negro marcado con manchas de azul crepuscular ofrecía otro momento de color intenso. La sastrería más sencilla se terminaba con abanico de abanico con ribetes a lo largo de las costuras, mientras que otras chaquetas presentaban estampados de reptiles y felinos salvajes, a veces resaltados con cristales.

Al poner en primer plano los pantalones y refinar la sastrería nocturna, Armani entregó una colección Privé basada en la facilidad y la continuidad, afirmando una visión clara y pragmática de la alta costura dentro del lenguaje establecido de la casa.

ArdAzAei presentó su colección de alta costura otoño-invierno 2026-2027 el 6 de julio durante la Semana de la Alta Costura de París, la quinta edición de alta costura de la diseñadora iraní-sueca Bahareh Ardakani. Aunque sigue siendo una recién llegada a la alta costura, la diseñadora ha atraído cada vez más atención en la industria, reflejada en una primera fila que incluía a ejecutivos de alto perfil, una estilista conocida por vestir iconos de la música y la diseñadora de joyería Suzi de Givenchy, que apareció con un etéreo vestido de jersey plisado del prêt-à-porter de ArdAzAei, conocido por combinar impacto visual con facilidad de uso.

Para esta temporada, Ardakani rindió homenaje a sus raíces a través del poema persa La rosa del ruiseñor. Los jardines paradisíacos descritos en el poema, entrelazados en las alfombras de su casa de la infancia en Gotemburgo, ofrecían tanto imágenes como simbolismo centrados en el amor, el anhelo, la belleza, la seducción y el sacrificio. Esa narrativa se convirtió en el hilo conductor de la colección.

El programa también marcó un hito en la producción. Fue la primera colección producida casi íntegramente en el taller de ArdAzAei en la Rue Saint-Florentin, cumpliendo la ambición de larga data de Ardakani de participar en cada costura de una línea de alta costura. Enmarcó la obra como un ejercicio de difusión de luz y de enfatizar el aspecto de laboratorio de la alta costura, donde la experimentación impulsa la creación.

Ardakani describió su lenguaje de diseño en evolución como estructura por dentro y poesía por fuera, un enfoque basado en reconciliar una tradición artística persa altamente ornamentada con el modernismo escandinavo. Su formación como ingeniera le llevó a centrarse en la simetría, ejecutada mediante pliegues intrincados, smocks y pliegues. En la pasarela, una chaqueta de satén beige traducía la geometría de las rosas en pétalos doblados tipo origami. Un vestido corto y elegante con bustier presentaba enormes remolinos de rosas, equilibrando la belleza con el tono de la piel. El motivo del ruiseñor apareció en un brocado similar a un tapiz pintado en cobre bruñido, ocre y verde sobre un vestido de columna de cuello alto con cola periwinkle, mientras que las interpretaciones de plumas se realizaban en organza deshilachada sobre estampados negros y rojos.

La superposición de materiales añadía aún más complejidad, incluyendo combinaciones de diferentes encajes, bordados persas y, sobre un vestido de pervinca, hilo de seda pintado a mano con apliques florales ejecutados por Lesage que recordaban salientes. Las siluetas eran consistentemente de reloj de arena, dirigiendo el enfoque hacia las caderas mediante pliegues en forma de concha, como se ve en un vestido bustier de tono dorado y un vestido naranja fuego. El ruiseñor, para Ardakani, se ha convertido en un símbolo de persistencia, y la colección demostró un compromiso con la artesanía de alto nivel. Aunque la precisión del ajuste sugería ocasionalmente espacio para líneas más suaves, la presentación confirmó el posicionamiento a largo plazo de ArdAzAei dentro de la alta costura mediante una fusión clara de rigor técnico y ornamentación poética.

Alexis Mabille regresó a la Semana de la Alta Costura de París el 7 de julio con su colección de alta costura otoño-invierno 2026-2027, alejándose del experimento de inteligencia artificial de la temporada pasada hacia una propuesta plenamente realizada y técnicamente exigente. Representado en el vestíbulo del sótano de una iglesia en el distrito 16, el desfile se estructuraba como una doble ofrenda: cada look estaba diseñado para transformarse en una segunda silueta en la pasarela.

El concepto no era inmediatamente legible. Los modelos aparecieron por primera vez a un ritmo acelerado en formas austeras completamente negras que enfatizaban el volumen y la contención. El mecanismo se reveló cuando la modelo de apertura regresó con dos cómodas en medias negras que le quitaron y pusieron al revés su vestido de estilo casullo, dejándola momentáneamente en lencería antes de volver a vestirla con un brillante vestido plateado drapeado. El cambio llevó la narrativa de minimalista a glamour completo en un solo pasaje. Las transformaciones posteriores variaron en complejidad; algunas se ejecutaban desabrochando un panel por el modelo, otras requerían cambios asistidos que implicaban la retirada y reentrada completas.

La ingeniería fue fundamental para el impacto de la colección. Un mono negro con cinturón ocultaba una capa dorada bordada con ornamentos debajo. Un vestido negro negro ligeramente cuadrado se deshizo en una larga funda de lentejuelas. El final comenzó con un potro negro en forma de calabaza que envolvía el torso de la modelo y se abría para revelar una composición nupcial con un bustier bordado y volantes de encaje Chantilly blanco. Mabille describió el enfoque como una forma de resolver la dualidad interna del diseñador, la elección estacional entre direcciones opuestas, presentando ambas personalidades simultáneamente. La reversibilidad añadió desafíos estructurales, especialmente para mantener el volumen y el movimiento cuando los volantes y las capas interiores tenían que funcionar en dos configuraciones.

Varios de los looks revelados se inclinaban hacia el exceso barroco, incluyendo un abrigo turquesa y un vestido a juego muy elaborado con lentejuelas, abalorios y bordados, y un conjunto en tono azafrán que emergía bajo un vestido negro de línea A. La banda sonora reforzó la teatralidad, pasando de You Don’t Know Me a composiciones de Nino Rota asociadas a Fellini hasta una versión final de My Way de Nina Hagen.

Más allá de la interpretación, Mabille posicionó las transformaciones como una solución práctica de alta costura, ofreciendo dos opciones de noche distintas dentro de una sola prenda. Un vestido de capa negro contenido, por ejemplo, invertido a un lado fucsia detallado con encaje negro en espiral. La propuesta resonó con un público atento a cambios dramáticos de vestuario, incluido el coleccionista Jordan Roth, presente en la primera fila. Tras una temporada de especulación digital, Mabille reafirmó sus credenciales de alta costura mediante ingenio manual, construcción y la mecánica de la revelación.

Tamara Ralph presentó su colección de alta costura otoño-invierno 2026-2027 el 6 de julio en la Semana de la Alta Costura de París, centrando su atención en el sur de Asia, una región personalmente significativa para el diseñador australiano a través de la herencia de su marido. La referencia se expresó como un sutil guiño más que como una cita literal, inspirándose en tradiciones de joyería en capas y en el drapeado asimétrico de las siluetas de saris.