Bob Varela News

La fundadora y directora creativa de PatBO, Patricia Bonaldi, presentó su colección Primavera/Verano 2022 el 8 de septiembre en el recientemente inaugurado restaurante Le Pavillon dirigido por el chef Daniel Boulud.

El espacio modernista en la avenida Vanderbilt fue el escenario perfecto para que la diseñadora brasileña presentara su primer desfile en persona durante la Semana de la Moda de Nueva York. El atrio de vidrio está lleno de luz natural, plantas exóticas y la sensación de tranquilidad de estar lejos de la ciudad afuera.

Para su primera colección de pasarela, Bonaldi buscó amplificar los elementos de sus diseños que han hecho de la marca lo que es hoy: adornos de flecos, recortes sofisticados e intrincados bordados y cuentas a mano.

Cada pieza muestra su devoción por la artesanía y el empoderamiento de los artesanos talentosos en Brasil.

La supermodelo y nativa de Brasil Alessandra Ambrosio abrió el desfile con un par de pantalones de moda masculina cortados de tela de lino fluido con una cintura estilo corsé y bralette coordinado.

Debido a que no podemos tener suficiente, Ambrosio cerró el espectáculo con un vestido de playa de manga larga, una silueta de la firma PatBO que es adorada por todas las personalidades de las redes sociales.

Hay mucho calor en Markarian en este momento, gracias al vestido de inauguración de la Dra. Jill Biden, que fue creado por la diseñadora Alexandra O’Neill. Y aunque gran parte de esta colección era bastante majestuosa, incluidos algunos corpiños de jacquard florales sacados de una pintura de Emanuel Leutze, también había looks de las camarillas de cócteles de West Village que O’Neill ve todas las noches desde su estudio de Nueva York. Eso incluye tacones de punta blanca, cárdigans de punto a medio abotonar sobre el escote de peek-a-boo y pantalones cortos de color rosa suave que eran básicamente pantalones de pijama para la heredera del centro de la ciudad exigente. (“Aquí Gossip Girl, tu única fuente de ropa de emergencia para American Bar”). Hay mucho que amar aquí, y O’Neill lo sabe.

La arquitectura y el diseño siempre han influido fuertemente en la perspectiva artística de Silvia Tcherassi. Como alguien que inició su carrera profesional en el ámbito del diseño de interiores, su conexión con el espacio es excepcional. Hace unos años, cuando buscaba el lugar óptimo para la sede de la marca en Miami, se encontró con un impresionante espectáculo de una ubicación en el segundo piso de un edificio en Coral Gables. El notable contraste de los volúmenes geométricos en los exteriores, los llamativos mosaicos con efecto degradado y las teatrales columnas flotantes en el vestíbulo llamaron inmediatamente su mirada magistral. No fue ninguna sorpresa que la estructura fuera obra del arquitecto posmoderno estadounidense Morris Lapidus a finales de los sesenta. Silvia entró en contacto por primera vez con el trabajo de Lapidus en su primera infancia, pasando las vacaciones familiares en el Hotel DiLido en South Beach, uno de sus proyectos más memorables junto con Fountainebleau y Eden Roc. Hacer del tesoro recién descubierto las viviendas creativas y operativas de la marca parecía una elección natural.
Para el creador constante, el entorno proporciona una inspiración inagotable, y dos años más tarde, toda la colección Primavera-Verano 2022 de Silvia se concibió y desarrolló en este lugar, basándose en algunos de los elementos notables del edificio, así como en otros de la autoría del arquitecto. El resultado es completamente moderno con la presencia de componentes clásicos similares a los del movimiento MiMo (Miami Modernisn), donde las convenciones estilísticas, cronologías o geografías se mezclan de manera experta, nada diferente a las propias tendencias creativas de Tcherassi. Los recortes y los hombros expuestos evocan las exploraciones de Lapidus con formas circulares y se destacan en una paleta de colores sorprendente que se hace eco de las lámparas colgantes de vidrio en tonos de joyas que él también diseñó. Algunos de los grabados rinden homenaje a las ondas características presentes en sus edificios y los pisos en blanco y negro sobre su icónico proyecto de Lincoln Road. Los intrincados detalles en la ropa y los accesorios honran su equilibrio perfecto de extravagancia de buen gusto y traen de vuelta su famosa y célebre línea: Demasiado nunca es suficiente.

Pocos diseñadores en cualquier lugar tienen un sentido más agudo del juego de palabras visual que Stuart Vevers en Coach. Su último programa para la marca gigante fue precedido por todo tipo de programas extravagantes en Coach TV, disponibles en Instagram, protagonizados por comperes de campamento y todos filmados en tonos retro Sony Trinitron de la década de 1970.
Mientras que su versión de la última versión del bolso Bonnie Cashin, que lleva el nombre del diseñador original de la casa, vino con una correa de cuero reciclado o falso o bocetos de trampantojo.
También había una gran sudadera de algodón suelta, sobre la cual estaba escrito “Coach Leatherware”. El mini-clip de ese look, vino con el lema, “Subvertiendo los clásicos estadounidenses desde 1941”.
“La primavera presenta mi visión de un nuevo vocabulario de la moda
estadounidense. También es una celebración del optimismo colorido y optimista de Bonnie Cashin”, explicó Vevers.
Lo cual era evidente en las grandes parkas y el raingear hechos en cheques gigantes de dientes de perro o en el cristal de la ventana, todos usados con sujetadores micro deportivos, botas bovver y pantalones cortos de mezclilla con pantalones de jockey expuestos.
En un espectáculo conjunto, los chicos usaban parkas de tonos brillantes y grandes bolsillos; revisó dhotis y camisetas que decían: “Super Grump”.
Lo bueno de Vevers, nacido en el Reino Unido, es que, mientras que muchos diseñadores que viven en Nueva York se retiraron el año pasado a los Hamptons o a su cabaña en Berkshires, Stuart salió y abrazó Nueva
York. Realmente se codea con los neoyorquinos, y eso se nota en sus colecciones, especialmente esta.
De ahí que sus clips de introducción en Coach TV presentaran a cuatro chicas marchando desde una estación de metro en la línea No. 1, al ritmo de “Buffalo Gals”, de su compañero británico, el fallecido gran Malcolm McLaren.

Rodarte transmitió su show directamente en Amazon Live, capturando su desfile en 155 Bank Street al mediodía del sábado. Las modelos marcharon dentro de un jardín de esculturas de West Village ubicado, a solo 20 cuadras al norte de donde una vez estuvieron las Torres Gemelas.
El dúo de hermanas Kate y Laura Mulleavy, con sede en Los Ángeles, que fundó Rodarte, cortó con exuberancia, sobre todo sus grandes blusas de garganta profunda con hombros de superhéroes, pero hechas de encaje victoriano de schoolmarm.
Los vestidos bellamente rojizados y drapeados precedieron a los caftanes alargados sobre los pantalones a juego, mientras que para los momentos más atrevidos, había vestidos de tocador semi-sheer guipure que mostraban mucha lencería, en negro, blanco virginal y rojo pecaminoso.
Para las ceremonias de premios, los magníficos blazers de estampado floral o las capas de lentejuelas de la puesta de sol La diosa de la pantalla de la tira de lentejuelas colgantes se ve cautivada, al igual que los cheongsams florales ácidos, que se usan en modelos con maquillaje de ojos de arco gótico.
No todo encajaba en su lugar, las camisas plisadas de acordeón parecían bastante anticuadas, pero en general este fue el espectáculo más intrigante de la temporada
estadounidense.Y sutilmente considerado en el final, donde todo el elenco apareció como sacerdotisas en puras vainas de crudo, vainilla, rosa y amarillo, cada modelo llevaba un delgado collar de oro, para terminar posando sobre columnas de hormigón.
Cuidadosamente preparado en un día en el que el mundo recordó las casi 3.000 almas perdidas en ese día de infamia.
Con una banda sonora solemne tocando “Spa Hunter” de Dallas Acid, las hermanas tomaron sus lazos casi con cautela en pijamas florales y camisas occidentales, después de un momento de silencio en el 20 aniversario del 9/11.

Mucho tiempo privado en la pandemia fue claramente útil para Jason Wu, quien dio a conocer uno de sus mejores espectáculos el viernes a la hora del almuerzo.
Jason organizó su último espectáculo en una galería del centro, adornada con plantas y flores extendidas, alrededor de las cuales caminó suelenco. Continuando con ese tema, un trío de looks de estampado floral negro y antracita, con los detalles esponjados, un traje hecho de bolero y cárdigan, un vestido curvilíneo y una envase, fueron bastante maravillosos.
Las ideas más audaces de Wu fueron los estampados expresionistas abstractos de tie-dye, vistos en grandes crinolinas, o algunos cócteles de corte realmente geniales, que expusieron acres de pierna. Al igual que un combo de jersey de cachemira lila y falda de lentejuelas.
En conjunto, esta fue una colección de Gone-with-the-Wind-meets-the-urban-jungle que logró ser romántica pero también contundente. Otras versiones del vestido modernista de Vivien Leigh venían en amarillo canario o negro desteñido.
De hecho, la decisión de Jason de trabajar con la fabricante de telas Cara Marie Piazza y sus ideas impresionistas poco convencionales llevaron esta colección a otro
nivel. Wu es normalmente un mejor diseñador de invierno que de verano, cuyas parkas jazzeadas son imprescindibles en los días fríos de enero y febrero en Nueva York. Pero esta fue una buena declaración, y probablemente la expresión más memorable de Jason de la moda primaveral.