Bob Varela News

La primera colección Proenza Schouler completamente realizada de Rachel Scott no llegó como una ruptura, sino como una recalibración deliberada. Nombrada directora creativa solo unos meses después de que Jack McCollough y Lazaro Hernández se marcharan a Loewe, esta exposición otoño-invierno 2026–2027 se sintió como su verdadera declaración inicial: un cambio sutil pero seguro de una frescura impecable a algo más humano, táctil y emocionalmente poroso.

Scott presentó a su nueva mujer de Proenza como “puntual de muerte” pero de repente retrasada—una metáfora que guió silenciosamente toda la colección. Mientras que la era McCollough–Hernandez a menudo proyectaba una modernidad pulida, casi intocable, Scott está claramente interesado en suavizar esa superficie vidriosa. Su objetivo, como ella misma dijo, es introducir “textura y complejidad y pequeños destellos de erotismo”, sin caer en el exhibicionismo. Es una visión de la feminidad que permanece controlada, pero ya no sellada.

Los looks iniciales parecían contradecir esa promesa: un vestido sin mangas con una falda escultórica y redondeada y una serie de elegantes trajes midi parecían compuestos y precisos. Pero a medida que avanzaba el espectáculo, pequeñas molestias empezaron a recorrer la sastrería. Un abrigo marfil con solapas asimétricas, un vestido de manga larga sujeto por botones deliberadamente torcidos y pinzas expuestas en el exterior de una funda roja creaban un lenguaje de construcción visible. Estas prendas no se estaban deshaciendo; Estaban revelando cómo se fabricaban. La perfección, aquí, se desestabilizaba suavemente.

Momentos de sensualidad surgieron en silencio, nunca teatralmente. Un brote de pliegues bajo la cadera recortada de una falda, un destello de piel a través de una abertura de pantalón con volantes—eran gestos de intimidad incrustados en siluetas sobrias. La experiencia de Scott en Diotima también influyó en la ropa de punto. Un traje falda de punto cruzado de Donegal con un peplum flippy aportaba una suavidad inesperada a la sastrería, mientras que un vestido polo de punto acanalado y ceñido añadía una corriente de tactilidad que Proenza no siempre ha priorizado.

El centro emocional de la colección apareció al final, en piezas estampadas con orquídeas. Scott, que también cultivaba orquídeas, tradujo una fotografía nocturna de las flores en motivos pintados a mano y luego impresos digitalmente. Los “bordes desordenados” visibles de la imagen en el dobladillo de un vestido capturaban su interés declarado por la tensión entre la mano y la máquina, entre el control y la imperfección. Fue una nota final poética que se sentía claramente suya.

Scott claramente ha investigado los códigos de Proenza Schouler, respetando su precisión arquitectónica e inteligencia urbana. Pero lo que hace que este debut sea atractivo es su disposición a dejar entrar un poco de desorden—de calidez, erotismo y textura emocional. Si esta colección trataba de llegar un poco tarde, también trataba de llegar con más honestidad.

Stuart Vevers abordó la colección Otoño Invierno 2026–2027 de Coach como un collage de recuerdos americanos. En su moodboard había una joven Jodie Foster, una skater californiana, bengalas de los años 70 y fotos de *El Mago de Oz*, una película que ha visto cada año desde niño. Era una constelación evocadora y ligeramente nostálgica de imágenes, más intrigante por el contexto: Coach está disfrutando de un momento de verdadera fuerza comercial, y sin embargo Vevers eligió abrir su pasarela en sombra en lugar de triunfal.

El espectáculo comenzó con poca luz, acompañado por “American Dream” de LCD Soundsystem, marcando un tono contenido, casi melancólico. Vevers describió un viaje cinematográfico desde el blanco y negro hasta el Technicolor, y esa progresión se fue desplegando poco a poco a lo largo de la colección. Tras varias temporadas de referencias muy enfocadas a Nueva York, amplió su perspectiva para considerar América como una idea—su cultura juvenil, contraculturas y contradicciones inquietas—mientras simultáneamente afilaba la silueta. El resultado fue un cartel que se sentía más reducido en el corte pero más amplio en el alcance emocional.

Los primeros looks establecieron inmediatamente un ambiente con tono de vago: una chaqueta desmontada hecha de tejidos de cuadros y forros, combinada con una falda vaquera descolorida y superpuesta con accesorios. Motivos universitarios, estrellas, vestidos con encaje hechos de forro y cuellos al estilo Pilgrim aparecían por todo el conjunto, creando una tensión entre la inocencia y la rebeldía. Las referencias al skater eran explícitas: un jersey tejido a mano con un águila, jerséis con patrón de colchas, vaqueros desgastados, pero filtrados por una pátina de Dust Bowl mezclada con grunge. Incluso cuando las chaquetas se llevaban abiertas sobre la piel desnuda, la atmósfera general seguía siendo seca y contenida en lugar de provocar abiertamente.

Esta tranquilidad se extendió a los accesorios, donde la herencia de Coach ocupó el centro de atención. Muchos modelos llevaban bolsos plateados de bastidor Este-Oeste, mientras que otros llevaban amplios bolsos mensajero rematados con el icónico hardware de cierre de giro de Bonnie Cashin. Vevers llevó la idea de lo americano más allá con una bolsa de marco hecha de un balón de fútbol vintage y otra hecha con un viejo guante de béisbol—gestos tanto literales como simbólicos que vinculan el legado de cuero del entrenador con la mitología del deporte y la artesanía estadounidenses.

Sin embargo, quizá el elemento más visionario no era estético sino material. Vevers destacó el creciente compromiso de Coach con el diseño responsable, especialmente a través del upcycling. Todo el denim fue post-consumo, y las cápsulas en tienda incluirán prendas como trenches reconstruidas con chinos antiguos. Este enfoque práctico y a gran escala de la sostenibilidad se alinea con el tema más profundo de la colección: continuidad en lugar de espectáculo, resiliencia en lugar de reinvención por sí misma.

El otoño invierno 2026–2027 no contó una historia de optimismo brillante. En cambio, ofrecía una visión de América construida con telas gastadas, recuerdos compartidos y una reutilización reflexiva—una idea de pertenencia cosida a partir de lo que ya existe. En ese sentido, la metáfora de El Mago de Oz de Vevers resultaba adecuada: no una escapada fantástica, sino un viaje de regreso a los materiales y valores que aún perduran.

Al abrir la Semana de la Moda de Dubái, Lorenzo Serafini asumió el papel de embajador de “Made in Italy” con una colección que trascendía fronteras geográficas. La narrativa para el otoño invierno 2026-2027 no fue una adaptación localizada, sino una visión universal y segura que considera “pensar localmente” como una reliquia pintoresca del pasado. La narración seguía a un protagonista que equilibra el rigor del poder moderno con una indulgencia inquebrantable en el romance. Es una historia de evolución gradual más que de revolución brusca, ambientada en un mercado donde la tradición y la innovación se cruzan, demostrando que el alma Ferretti —arraigada en la fuerza blanda— es un lenguaje entendido desde Milán hasta Oriente Medio.

El arco narrativo visual de la serie avanzaba con una exuberancia rítmica, mezclando un espíritu “chic de los 70” con la elegancia disciplinada de la “victoriana burguesa”. El viaje narrativo comenzó con un enfoque en la “sastrería de poder blando”—chaquetas que definen la cintura sin restringir a la mujer—y evolucionó hacia una exhibición dramática de abundantes volantes y plumas. Mientras las modelos rodeaban la pasarela, la historia pasó del mundo estructurado del cuero de nappa a los volúmenes lánguidas y fluidos de caftanes de gasa y siluetas con capa. Esta evolución enmarcó la colección como una propuesta más clara y segura de la estética de Serafini: un mundo donde el brillo acelerado y el fruncido romántico coexisten en perfecta y sin esfuerzo.

Desde un punto de vista técnico, la colección mostró un dominio de la manipulación de siluetas, acercando la prenda al cuerpo que en temporadas anteriores. El “poder blando” se impulsaba a través de chaquetas de cuero nappa suaves como mantequilla, con cinturas ceñidas, hombros redondeados y peplums favorecedores que mantenían una línea afilada pero eran táctiles. Observamos la elaborada construcción de las faldas plisadas en línea A y la delicada ingeniería de blusas fruncidas diseñadas para deslizarse perfectamente bajo la ropa exterior a medida. El segmento de la noche utilizó el característico chiffon de la casa, pero lo rediseñó con una mano técnica más exuberante, incorporando estallidos de color brillante y colocaciones estratégicas de plumas que aportaban una profundidad tridimensional a los volúmenes diáfanos.

No se puede evitar observar que el método “gradual y atento” de Serafin es exactamente lo que la industria necesita en esta era de constante agitación de los diseñadores. Debemos admitir que la presencia de la propia Alberta Ferretti, visiblemente conmovida por la evolución de su marca homónima, añade una capa de autenticidad emocional poco común en la moda contemporánea. Cabe destacar que, aunque la colección no fue diseñada específicamente para Dubái, la elección de tonos joya vivos y el “brillo acelerado” se sintonizan perfectamente en sintonía con el ambiente energético de la región. Desde nuestra perspectiva, la decisión de mantenerse fiel a su “indulgencia” romántica mientras afila la sastrería muestra a un diseñador que realmente ha crecido en la casa.

Quizá esta colección marque una era definitiva para la maison, una en la que la identidad de la marca se desvincula finalmente de la necesidad de la revolución por la revolución. Creemos que, siguiendo el consejo de Ferretti de “no tener miedo”, Serafini ha asegurado una visión tan comercialmente viable como artísticamente sincera. Pero debemos preguntarnos: en un mercado que avanza a la velocidad de las redes sociales, ¿puede una evolución “gradual” seguir el ritmo de la demanda de novedad constante? ¿Seguirá el cliente fiel a esa confianza silenciosa, o acabará anhelando la interrupción que Serafini tan sabiamente evita? Nos parece que mientras la sastrería sea tan halagadora y el romance tan genuino, la mujer Ferretti siempre encontrará el camino de vuelta a casa. En definitiva, el otoño invierno 2026-2027 es un acto de apertura triunfal para Dubái, recordándonos que el verdadero estilo es una peregrinación, no un sprint.

Una sensación de elevación y expectación recorrió el desfile otoño invierno 2026–2027 de Baum und Pferdgarten en Copenhague, donde la marca transformó la pasarela en una pista simbólica para *Airborne*, una colección marcada por la vida y el estilo de Amelia Earhart. En lugar de tratarla simplemente como una figura heroica, Rikke Baumgarten y Helle Hestese se han centrado en la dualidad que definía el mundo de Earhart: la precisión y disciplina de los uniformes de aviación frente a un vestuario privado más expresivo y femenino.

Esa tensión estructuraba toda la colección. Chaquetas aviador, vaqueros rígidos, camisas de uniforme y cuero desgastado formaban una columna vertebral utilitaria, proyectando fuerza y función. Estas piezas llevaban el vocabulario del vuelo — protección, rendimiento y claridad mecánica — traducidas en prendas exteriores oversize, chaquetas abullonadas y abrigos de corte impecable que dominaban la colección. Las siluetas parecían hechas para el movimiento y la resistencia, reflejando las exigencias físicas de la profesión de Earhart.

Frente a esto, Baum und Pferdgarten introdujo un contrapunto más suave. Vestidos fluidos, adornos de encaje, detalles tipo bufanda y tejidos ligeros aportaban una sensación de intimidad y vulnerabilidad a un armario por lo demás robusto. Los materiales florales y táctiles suavizaban los bordes más duros, permitiendo que la elegancia coexistiera con la utilidad. Esta interacción entre estructura y delicadeza fue donde la colección encontró su núcleo emocional, sugiriendo a una mujer capaz de navegar múltiples identidades sin comprometer ninguna de las dos.

El escenario amplificó la narrativa. Situada en un histórico pabellón deportivo en el centro de Copenhague, la pista fue diseñada para parecerse a una pista de aterrizaje, reforzando la idea de estados de salida, llegada y intermedio. El coro femenino de la Sankt Annæ Music Academy añadió una atmósfera ceremonial, casi reverente, dotando al espectáculo de una grandeza discreta que contrastaba con los matices industriales de la aviación.

Elegir caras conocidas mezcladas con amigos de la casa, anclando el espectáculo en un sentido de comunidad en lugar de en una fantasía lejana. Incluso la camiseta exclusiva de la pasarela — con el eslogan “Las buenas chicas vuelan al cielo, las chicas BP vuelan entre bastidores” — se apoyaba en la irreverencia juguetona de la marca, recordando al público que el universo de Baum und Pferdgarten, a pesar de sus referencias a la historia y el heroísmo, sigue arraigado en una actitud contemporánea y autoconsciente.

Aunque *Airborne* no redefine radicalmente la estética de la marca, la refina y amplía con confianza. El diálogo entre uniformes codificados por lo masculino y detalles románticos y expresivos se siente cuidadosamente resuelto, produciendo una colección cohesiva, llevadera y narrativamente clara. Baum und Pferdgarten logra capturar el espíritu de una mujer pionera no a través del vestuario, sino a través de un vestuario que equilibra la fuerza con la sensibilidad — una trayectoria de vuelo que se siente tanto realista como aspiracional.