Bob Varela News

Phillip Lim marcó un hito importante esta temporada con su desfile Primavera Verano 2025, celebrando 20 años en la industria de la moda. Para los presentes en su debut, fue un momento conmovedor, un recordatorio de lo raro que es mantener el éxito en una industria tan voluble como la moda. Muchos de los contemporáneos de Lim de mediados de la década de 2000 se han desvanecido silenciosamente, incapaces de mantenerse al día con el implacable ritmo del cambio. Pero Lim no solo ha sobrevivido; Ha prosperado. ¿Su secreto? Adaptabilidad y un ojo inquebrantable para las tendencias emergentes. Cuando se le preguntó en el backstage cómo se sentía ser un sobreviviente en una industria tan desafiante, Lim tenía una palabra para describirlo: “alegre”.

La capacidad de Lim para evolucionar mientras se mantiene fiel a su identidad de marca es lo que lo ha mantenido relevante a lo largo de los años. Tiene la habilidad de incorporar nuevas tendencias en sus diseños sin perder la esencia de lo que hace que 3.1 Phillip Lim sea distintivo. Tomemos, por ejemplo, la inclusión de Brat Green en la colección de esta temporada. A pesar de no estar al tanto del fenómeno viral del color, Lim instintivamente gravitó hacia el tono, explicando: “Es un color que usaba en California cuando era joven”. Esa conexión nostálgica se tradujo en una pieza destacada: jeans holgados con cremalleras en los lados, una alternativa fresca al denim tradicional.

En esta colección, Lim también revisitó elementos de sus archivos, recordándonos la evolución de su marca. Rosettes hizo un regreso, visto por primera vez en su colección de primavera de 2007, que también fue su desfile debut. Otras referencias incluyeron blusas de encaje de gran tamaño con proporciones de camisetas de fútbol, detalles de flecos de cristal y sus piezas híbridas distintivas: mezclilla empalmada con sudaderas, parches de camuflaje y camisetas de mantra reinventadas como vestidos lenceros. Pero no todo fue mirar atrás. Lim avanzó con nuevas ideas, como faldas micro cruzadas y una mini de denim lavado al ácido que agregó un toque juvenil a la colección.

Reflexionando sobre la importancia de su 20º aniversario, Lim ofreció ideas que se sentían casi como mantras en sí mismos. “Siento que solo puedo garantizar el momento”, dijo. La moda, señaló, está en constante cambio: las longitudes, los colores y las tendencias van y vienen. Pero la alegría, enfatizó, es una constante. “La alegría es una cualidad humana que todos podemos aprovechar, que todos podemos compartir. Y ahora mismo, en este momento en particular, la alegría es tan necesaria”.

La celebración de la alegría de Lim no era solo filosófica, era palpable. Concluyó el espectáculo invitando a todo su equipo de estudio a unirse a él en el escenario para una reverencia colectiva, subrayando el espíritu colaborativo que ha sido una piedra angular de su marca. El momento fue un final apropiado para un espectáculo que honró el pasado, abrazó el presente y miró hacia el futuro con optimismo y, por supuesto, alegría.

Esta temporada en Nueva York, muchos diseñadores han lidiado con la sensación de pesimismo prevaleciente, buscando consuelo en la moda como fuente de alegría y elevación en medio de las presiones sociales, la incertidumbre económica y las inminentes elecciones estadounidenses. Bach Mai, como muchos de sus compañeros, se vio profundamente afectado por el peso de estos desafíos. “Este último año ha sido el más duro de mi vida”, admitió en el backstage antes de su desfile Primavera/Verano 2025. “Es más difícil que nunca para los jóvenes diseñadores en este momento”. Enfrentado a esta oscuridad, Mai buscó la luz, inyectando sus característicos vestidos de noche y looks de alfombra roja con una exuberante paleta de colores brillantes y optimistas. Su inspiración para la temporada provino de una cita de Albert Camus: “En medio del invierno, descubrí que había, dentro de mí, un verano invencible”.

El uso del color por parte de Mai fue nada menos que un antídoto visual contra la negatividad. Inspirándose en el artista James Turrell y el arquitecto mexicano Luis Barragán, Mai creó una colección de noche bañada en tonos audaces y radiantes: rojos brillantes, naranjas, rosas y verdes espuma de mar. “Me encanta el profundo uso del color de Barragán, que es audaz y sutil al mismo tiempo”, explicó. Los tonos vibrantes aportaron una sensación de optimismo y energía, especialmente cuando se aplicaron a los diseños más minimalistas de Mai. Las piezas más destacadas incluyeron un vestido de corpiño sin tirantes con una falda de tul en cascada en rojo, rosa y morado, así como una blusa blanca sin mangas de gasa con una cola trasera fluida combinada con micro shorts verde pálido, un conjunto fresco como la menta que exudaba ligereza.

Las creaciones distintivas de Mai listas para la gala de esta temporada sirvieron como su versión del glamour estadounidense, con un toque de alta costura de mediados de siglo y arte tradicional japonés Bijinga. Las piezas notables incluyeron coloridos “jeans” de organza que se sentían como una nueva interpretación de la moda de la alfombra roja.

En una luminosa tarde de domingo, el director creativo Ibrahim “IB” Kamara dejó una huella significativa en el calendario de la moda al debutar con el primer desfile de moda de Off-White en Nueva York. Organizado en las canchas de baloncesto de la comunidad frente al mar de Brooklyn Bridge Park, el evento encarnó una mezcla única de deporte, cultura y moda, todos los cuales son parte integral del ADN de Off-White.

Titulada “Duty Free”, la colección Primavera 2025 de Kamara rindió homenaje tanto a los orígenes de la marca como a su influencia global. “Creo que Estados Unidos es una base de Off-White; es bueno volver a casa, mostrar amor a la ciudad, y la ciudad devolver el amor”, dijo Kamara en el backstage. “Celebrar la ciudad y ser parte de una comunidad en evolución de un viajero global y gente global, que es muy Nueva York”. La elección del lugar (canchas de baloncesto públicas) fue simbólica de la visión de Kamara de comunidad e igualdad, reflejando su viaje personal como inmigrante de Sierra Leona y su conexión con la cultura global.

El desfile atrajo a una primera fila repleta de estrellas, con asistentes como Flavor Flav, Camila Cabello, Leon Bridges, Suni Lee, Issa Rae y Mary J. Blige. Los patios circundantes permanecieron abiertos al público, reforzando el espíritu inclusivo de la colección.

La colección en sí era una fusión de artesanía africana, ropa deportiva estadounidense y futurismo moderno. Kamara se inspiró en el tiempo que pasó en Ghana, la tierra natal del difunto fundador de Off-White, Virgil Abloh, donde se sumergió en la cultura y se conectó con las raíces que han dado forma a sus viajes y a los de Abloh. Esta fusión dio como resultado un guardarropa diseñado para el viajero global moderno, con un toque distintivo de Nueva York.

En el sector de la moda femenina, Kamara ha creado sastrerías, vestidos de fiesta y chándales, todos ellos caracterizados por diseños atrevidos y respetuosos con el cuerpo. Los corsés, los cuellos en V profundos, los cortes asimétricos y las faldas cruzadas transparentes adornadas con adornos de estrellas aportaron una energía sexy y poderosa a la colección. Estas faldas, un guiño al drapeado africano, se complementaron con intrincados bordados metálicos que agregaron un toque de elegancia a la estética deportiva.

Para la moda masculina, Kamara abrazó la idea de un “uniforme urbano modular”. Las capas utilitarias con cremallera, la ropa de calle de camuflaje y el colorido denim desmenuzado se combinaron con sudaderas con capucha cristalizadas ceñidas, mostrando un equilibrio entre practicidad y audacia. La colaboración con la artista contemporánea ghanesa Nana Danso aportó gráficos pintados y símbolos de la marca tanto a la ropa masculina como a la femenina, mejorando la profundidad cultural de la colección.

El concepto “Duty Free” de Kamara también jugó con la idea de estar “fuera de servicio”, infundiendo a la colección un ambiente despreocupado y optimista. Las piezas fueron diseñadas para ser usadas en cualquier lugar, desde las calles de Nueva York hasta destinos globales, difuminando las líneas entre el trabajo, los viajes y el ocio. La estética sexy y deportiva de la colección dejó en claro que Off-White está lista para vestir a su comunidad para lo que venga, ya sea una salida nocturna, un día informal o un viaje por el mundo.

El desfile debut de Kamara en Nueva York fue un testimonio de la evolución continua de Off-White, combinando las raíces de la ropa urbana de la marca con una perspectiva global con visión de futuro.

La colección Primavera Verano 2025 de Ulla Johnson es un testimonio de su profunda conexión con el arte, la naturaleza y la artesanía. Inspirada por el trabajo de Lee Krasner, un artista expresionista abstracto pionero, Johnson pasó dos años trabajando con los herederos de Krasner para incorporar elementos de las pinturas de la artista a sus diseños. El resultado es una colección que fusiona el mundo de las bellas artes con la fluidez y la vida de la moda.

La pintura de Krasner de 1970 Comet sirvió como motivo central en la colección, con sus vibrantes pinceladas impresas en varias piezas, desde prendas deportivas de algodón hasta vestidos midi fluidos. Otras dos obras de Krasner, Retrato en verde y Palingenesia, también se incorporaron a los grabados de la colección. La admiración de Johnson por Krasner va más allá de la estética; Siente una conexión personal con el difunto artista, notando sus orígenes compartidos como neoyorquinos e hijos de inmigrantes, así como su amor mutuo por las flores y la naturaleza.

“Hablaba de que quería que su trabajo respirara y viviera. Eso me llamó mucho la atención”, explicó Johnson. Este sentimiento resuena con su enfoque del diseño, donde las prendas están destinadas a cobrar vida a través de las mujeres que las usan. La colección de Johnson refleja esta filosofía, ofreciendo una gama de estilos que se adaptan a un amplio espectro de su clientela, desde ropa informal para el día hasta intrincadas piezas de noche.

En una notable expansión de su marca, Johnson experimentó con la fluidez de género esta temporada. Varios looks, como una túnica de encaje combinada con jeans acampanados y un abrigo con estampado Krasner, fueron usados por modelos masculinos. “Estos no eran looks cortados para hombres, fueron cortados como parte de nuestro prêt-à-porter”, dijo Johnson, enfatizando el ajuste natural y la conversación en evolución sobre el género en la moda. Esto puede marcar el lanzamiento oficial de la moda masculina en sus colecciones, desafiando los límites tradicionales entre la ropa femenina y la masculina.

La artesanía sigue siendo el núcleo de los diseños de Johnson. Esta temporada, ofreció una amplia gama de estilos, desde un conjunto de top y falda de hilo desmenuzado hasta un llamativo vestido de fiesta negro adornado con flecos de cuentas doradas. En el lado más utilitario, Johnson presentó denim con bolsillo de parche en dos tonos, chaquetas de campo de lona recubierta y capas de algodón que recuerdan a los uniformes de enfermeras militares vintage. Cada pieza mostraba su dedicación a los detalles intrincados y a la construcción reflexiva.

El camino de Ulla Johnson en la industria de la moda no siempre ha sido fácil, pero su éxito hoy en día es innegable. Al igual que Krasner, que trabajó a la sombra de su famoso marido Jackson Pollock, las contribuciones de Johnson a la industria a menudo se han pasado por alto. Sin embargo, su compromiso inquebrantable con su visión y su capacidad para construir uno de los negocios de moda más exitosos de Nueva York han hecho que sea imposible ignorarla. Esta temporada, continúa mezclando arte, artesanía y naturaleza en una colección cohesiva y poderosa que habla de su papel en evolución en el mundo de la moda.

Cate Holstein, conocida por su estética oscura y estructurada, dio un giro más suave para su colección Khaite Primavera/Verano 2025. Inspirada por la calidez que siente en su vida como madre primeriza, Holstein aportó una sensación de optimismo y alegría a la pasarela que no siempre ha sido un sello distintivo de su marca. El resultado fue una mezcla de organza transparente, artesanías y sastrería relajada que aún mantenía el toque característico de Khaite.

Lo más destacado de la colección fue la introducción de los pantalones de organza transparentes, una tendencia fresca que Holstein exploró de múltiples maneras. Desde organza negra debajo de un vestido rosa ajustado con cuello de embudo hasta versiones a rayas combinadas con blazers de gran tamaño, los pantalones fueron un elemento destacado. Holstein también experimentó con la organza en otras piezas, como vestidos ceñidos al cuerpo con capas flotantes similares a bufandas, collages modernos de telas transparentes y opacas, y fruncidos arremolinados que agregaban textura y movimiento.

La sastrería, un elemento básico del khaite, se reinventó con siluetas relajadas. Una gabardina de satén amarillo mantequilla, sobre un vestido columna de organza negra transparente, ejemplificó el nuevo enfoque de Holstein para las capas. Otras piezas notables incluyeron chaquetas bolero en bloques, un frac moderno que se usa sobre pantalones cortos y sus exclusivas chaquetas de cuero con la cantidad justa de holgura. Un vestido de cuero negro con un corpiño blanco asomando añadió un toque de sensualidad a la colección.

Alejándose de sus diseños elegantes habituales, Holstein también adoptó técnicas artesanales. Una falda negra de pompón de ganchillo, combinada con un suéter de punto de gran tamaño, medias y zapatos de tacón con barra en T, mostraron su exploración de la textura y la artesanía. La colección también contó con túnicas circulares de ganchillo blanco y conjuntos tejidos en sal y pimienta, enfatizando aún más su cambio hacia un toque más artesanal.

La voluntad de Holstein de salir de su zona de confort dio sus frutos, con una colección que equilibraba su estética característica con nuevos elementos de suavidad, elegancia y artesanía. Esta temporada, Khaite ofreció una nueva perspectiva de la feminidad, sin perder el toque distintivo de la marca.

Para la colección Primavera Verano 2025 de Jason Wu, el diseñador introdujo una fusión de fluidez y estructura, combinando elementos de arte y moda de una manera que enfatizaba tanto la precisión como la facilidad. La colección de Wu, exhibida en Hudson Yards, contó con una instalación de Elise Co y Ben Borden, con esculturas geométricas de acero que proporcionaban un llamativo telón de fondo a sus diseños. La interacción entre estas estructuras de bordes duros y las prendas suaves y fluidas de Wu marcan la pauta de una colección centrada en el contraste y el equilibrio.

Wu se inspiró en la obra de la artista china Tong Yang-Tze, conocida por su caligrafía a gran escala que enfatiza los trazos audaces y los gestos aéreos. La influencia de la caligrafía fue evidente en las siluetas fluidas y los tejidos fluidos que dominaron la colección. Wu incorporó estos elementos artísticos en los grabados y en la estructura general de sus piezas, creando una sensación de movimiento y ligereza que se hacía eco de la calidad expresiva de la caligrafía.

La paleta de la colección presentaba pasteles suaves, equilibrados por tonos en blanco y negro. Wu comenzó con una capa serigrafiada que se produjo primero y luego se imprimió, dejando expuestas partes de la tela interior. Esta técnica introdujo un elemento de imperfección y destacó la exploración de la colección de texturas y capas.

Wu también experimentó con materiales como el lienzo, la seda, la gasa y la muselina, integrando elementos estructurados y fluidos. Las inserciones de gasa aparecieron en piezas de sastrería, como un traje de pantalones cortos azul huevo de Robin con gasa que asomaba por el dobladillo, y un híbrido de gabardina y bata con paneles de gasa que añadían movimiento. El enfoque de Wu en el contraste se extendió a su uso de formas geométricas, que a menudo se dejaban sueltas para crear un efecto de ventilación, agregando una sensación de flujo dinámico a las prendas.

La colección no se limitó a los vestidos y la ropa de noche, sino que Wu también hizo hincapié en la ropa de día, la sastrería y la moda masculina. Introdujo detalles plisados, telas desgastadas y elementos geométricos que agregaron un toque contemporáneo a la colección. Un diseño destacado presentaba camisetas sin mangas arrugadas con lengüetas sueltas, lo que creaba una apariencia deconstruida y en capas.

Si bien los vestidos finales de Wu, con corsés y elementos contrastantes, mostraron su talento para la ropa de noche, fueron los looks más simples y relajados anteriores en el desfile los que se destacaron. La colección equilibró la estructura y la suavidad, la formalidad y la facilidad, presentando en última instancia una visión de la elegancia moderna basada en la expresión artística.