Bob Varela News

Alexis Mabille rompió con los esperados códigos de la presentación de alta costura al presentar su colección Primavera-Verano 2026 sin modelos en vivo —ni siquiera prendas físicas— transformando el teatro Lido en un entorno digital inmersivo. Imágenes de modelos más grandes que la vida se movían continuamente por pantallas envolventes, inicialmente percibidas como un preludio antes de que quedara claro que ese era el propio espectáculo. Por primera vez para una casa de alta costura, toda la colección fue concebida y presentada mediante inteligencia artificial, situando el experimento en la intersección de la tecnología, la artesanía y la autoría.

Mabille presentó la IA no como un atajo generativo, sino como una herramienta colaborativa, comparándola con un miembro adicional del equipo del estudio en lugar de un sustituto del trabajo creativo. Desarrolladas durante varios meses con el estudio francés Glor’IA, las siluetas reflejaban el vocabulario de alta costura establecido por el diseñador: fracs alargados en crepé rojo con cuellos chal bordados, vestidos de chándal fluidos en rosa rubor salpicados con cordones adornados con joyas, y cuellos que brillaban con el preciso brillo de las microperlas. La atención a la superficie, la proporción y el acabado sugería una clara intención de permanecer dentro del ámbito del refinamiento de la alta costura, a pesar del formato inmaterial.

La animación de la colección, que Mabille comparó con recorridos arquitectónicos virtuales, resultó sorprendentemente convincente. El movimiento, el comportamiento de la tela y la interacción ligera se representaron con un realismo notable, desafiando las suposiciones sobre los límites de la presentación digital de la moda. Es importante destacar que la diseñadora destacó que los objetos físicos para cada silueta ya están en desarrollo, subrayando que el desfile virtual no fue un punto final, sino una etapa paralela en el proceso de alta costura.

Las elecciones de reparto añadieron una dimensión personal y emocional al experimento. La aparición inicial de su amiga de toda la vida Diana Gartner y el “paseo” final de la madre de Mabille, Mireille—reimaginado digitalmente para la ocasión—introdujeron la intimidad en un formato futurista. Estos gestos anclaban el proyecto en las relaciones humanas, contrarrestando la abstracción tecnológica en su núcleo.

De manera crítica, la muestra planteó inevitablemente preguntas sobre la naturaleza de la alta costura como experiencia física e íntima frente a una experiencia conceptual y visual. Aunque algunos espectadores permanecieron escépticos o desorientados por la ausencia de prendas tangibles, la colección reafirmó el papel de la alta costura como laboratorio de experimentación. La propuesta de Mabille para la primavera y verano 2026 tuvo éxito menos como provocación que como una investigación mesurada—una que respetó los códigos de su oficio mientras probaba hasta dónde podrían extenderse hacia nuevos territorios inmateriales.

Yanina Couture presented its Spring Summer 2026 Haute Couture collection beneath the glass ceiling of the Pavillon Cambon Capucines, a venue whose name and location immediately evoke Gabrielle Chanel. The setting was a deliberate and symbolic choice, framing a collection conceived as a tribute to Chanel’s life story rather than her stylistic codes. For Yulia Yanina, herself a self-made designer, the narrative of a woman rising from nothing through discipline and conviction formed the emotional foundation of the show.

Yanina’s own trajectory—built over more than three decades through meticulous craftsmanship, international clientele, and persistence—mirrored the story she sought to honor. Chanel’s ascent from the orphanage of Aubazine to the pinnacle of Parisian fashion was not treated as mythology, but as a human narrative of resilience. This perspective guided the collection, positioning it less as an exercise in quotation and more as an empathetic dialogue between two women shaped by determination rather than privilege.

The scenography reinforced this intent with poetic restraint. Bundles of wheat marked the entrance to the pristine runway, while individual ears were placed on each guest’s seat. Wheat, a talisman of prosperity for Chanel, became the collection’s central motif and a metaphor for growth, patience, and reward. This symbolism translated directly into the garments, where golden wheat embroideries appeared across most of the 32 looks, executed through a newly developed macramé technique that required months of handwork per piece. The craftsmanship was exacting, its richness controlled rather than ornamental.

The color palette revolved around black and white, a shared language between Chanel and Yanina, yet filtered through the Russian house’s distinctive aesthetic. Gradations of ivory, chalk, and deep black were softened with pearl grey and touches of gold, creating luminosity without excess. The challenge, as Yanina herself noted, was to avoid slipping into imitation. The collection succeeded by anchoring references to Chanel within Yanina’s own visual codes, particularly her signature use of transparency and layered construction.

Subtle nods to Chanel’s iconography surfaced with discretion: elongated necklace motifs intertwined across velvet tops with structured shoulders, camellias embroidered or placed at the hip of a siren skirt, and echoes of Russian cultural influence—so dear to Chanel through her relationships with the Ballets Russes—woven into the collection’s spirit. Embroidered jackets layered over tulle skirts showcased Yanina’s mastery of sheer surfaces, where opacity and lightness interacted with measured elegance rather than nostalgia.

The finale arrived in the form of a bridal gown in nude-toned, airy tulle, entirely embroidered with wheat motifs. Ethereal yet grounded, it distilled the collection’s message into a single image: femininity shaped by strength, aspiration, and patience.

Critically, the collection balanced homage and identity with notable control. While its thematic clarity and craftsmanship were undeniable, the silhouettes remained safely within the maison’s established vocabulary, favoring refinement over risk. Yet this restraint felt intentional. Spring Summer 2026 stood as a quietly persuasive statement—less about reinvention than affirmation—offering a couture collection rooted in narrative, discipline, and belief in perseverance as a form of elegance.

Yuima Nakazato abordó la Alta Costura Primavera-Verano 2026 como un paisaje meditativo, inspirándose en los antiguos bosques de la isla de Yakushima y sus densos ecosistemas de cedros, piedras y ríos de flujo lento. La colección se desarrolló menos como un desfile de moda convencional y más como un ritual, con la Catedral Americana transformada en un espacio de contemplación donde material, sonido y movimiento se fusionaban en un único entorno inmersivo.

En el corazón de la colección estaba la cerámica, un material rara vez asociado con la alta costura pero tratado aquí con devoción obsesiva. Durante seis meses y 1.500 horas de trabajo se dedicaron a la creación de cientos de cuentas sobredimensionadas, cada una formada a mano para parecerse a hojas, piedras erosionadas o crecimientos orgánicos de hongos. En algunas túnicas estas cuentas se agrupaban como follaje sobre un árbol, mientras que en otras sugerían formaciones geológicas moldeadas por el tiempo y el agua. Su presencia táctil y pesada anclaba la colección en la realidad física del mundo natural.

El paisaje sonoro reforzaba esta atmósfera. En ausencia de música, el suave tintineo de la arcilla proporcionaba un ritmo constante y elemental, producido en directo por el propio Nakazato mientras unía piezas de cerámica desde su asiento en el presbiterio. El efecto era silenciosamente hipnótico, convirtiendo el acto de presentación en una forma de arte performativo que reflejaba los lentos y deliberados procesos de la naturaleza.

Los elementos cerámicos, vidriados en blanco y detallados con oro y plata, estaban cosidos sobre una cinta blanca de punto y a veces entrelazados con cadenas metálicas. Estas superficies gráficas, similares a una armadura, se suavizaban con capas diáfanas de tela en blancos, negros y marrones terrosos. Se ataban y superponían tiras de tela para evocar los anillos de crecimiento de los árboles, una sutil referencia autobiográfica a los primeros experimentos de Nakazato. En otros lugares, las telas tratadas con recubrimientos metálicos se arrugaban y esculpían para parecer corteza, creando un diálogo entre fragilidad y resiliencia.

La innovación técnica seguía siendo un componente definitorio. Gracias a una tinta transparente desarrollada con Epson, Nakazato pudo cortar seda sin deshilacharse, permitiendo líneas más nítidas y bordes más limpios de lo que permitían los métodos tradicionales. El calzado amplió esta experimentación: se produjeron botines plateados y dorados utilizando un nuevo proceso que combinaba tejido reciclado con laca urushi tradicional, logrando una superficie que imitaba el cuero metálico pero manteniéndose arraigada en la práctica sostenible.

Críticamente, la colección resultaba más convincente cuando su intención poética y rigor técnico se alineaban. Aunque la paleta contenida y la densidad conceptual a veces corrían el riesgo de la monotonía visual, la profundidad de la investigación artesanal y de materiales mantenía el interés. La primavera-verano de 2026 confirmó la posición de Nakazato como una de las voces más intelectualmente impulsadas de la alta costura, ofreciendo una meditación silenciosamente poderosa sobre el tiempo, la naturaleza y las posibilidades cambiantes del textil y la forma.