Bob Varela News

La colección de Alta Costura Otoño-Invierno 2025-2026 de Georges Chakra, presentada el 8 de julio en la Semana de la Alta Costura de París, se desarrolló como una escena de cine clásico a fuego lento. Inspirado por la tensión estilizada del cine negro de la década de 1940, Chakra cambió su estilo característico por una elegancia más tranquila e introspectiva. Esta temporada, se volvió hacia adentro, explorando la quietud entre las miradas y el silencio espeso de emoción tácita, un momento suspendido, sin aliento, justo antes de que la trama cambie.

La colección se movía con la intensidad deliberada de un secreto susurrado. Las modelos parecían estar en medio de la narración, su presencia equilibrada pero ilegible, como heroínas de cine negro atrapadas entre la luz y la sombra. Las siluetas de Chakra se inspiraron en el glamour de mediados de siglo (cinturas recortadas, faldas amplias y capas que rozaban el suelo), pero se redujeron para exponer un tipo de drama más sutil. En lugar de florituras teatrales, era la fuerza de la línea, la arquitectura de la forma, lo que llevaba la historia.

La corsetería geométrica y las cortinas de capas afiladas subrayaron esta exploración del control. Aquí no había nada ruidoso ni excesivo. En cambio, los vestidos abrazaban un rigor silencioso: pliegues sostenidos como un suspiro, costuras que trazaban el cuerpo con precisión cinematográfica. Las telas jugaban con la luz y la opacidad: el faille de seda, el tul y el satén formaban un suave claroscuro en una paleta de negro profundo, marfil, gris sombra y el destello ocasional del azul medianoche.

Cada detalle fue intencional. Los abalorios parecían destellos de pensamiento, no de decoración. Las superposiciones transparentes insinuaban vulnerabilidad, pero nada se reveló por completo. En las manos de Chakra, la alta costura se convirtió en un lenguaje de sugestión, de tensión justo debajo de la superficie. Su moderación no disminuyó el impacto, sino que lo intensificó, permitiendo que cada gesto, cada silueta, hablara con mayor claridad.

En una época en la que muchas colecciones de alta costura persiguen el espectáculo, Chakra ofrecía algo más raro: una meditación sobre la elegancia como poder silencioso. Al hacer referencia a la ambigüedad emocional del cine negro y abrazar el encanto velado del silencio, creó una colección que resonó mucho más allá de la tela y el corte. Fue un espectáculo de intensidad susurrada, que demostró que la moda puede tener tanta fuerza en sus pausas como en sus proclamas.

Ronald van der Kemp presentó su colección de Alta Costura Otoño-Invierno 2025-2026, acertadamente titulada “Call of the Wild”, durante la Semana de la Alta Costura de París. En un mundo que se enfrenta a numerosos desafíos, la colección surgió como un sincero homenaje a la naturaleza, inspirándose especialmente en la selva amazónica. Esta temporada también marcó una notable colaboración con la musa de larga data y artista brasileña Thayna Caiçara en varios looks iniciales. Un aspecto significativo de esta colección fue su compromiso con la sostenibilidad. Muchas piezas fueron meticulosamente hechas a mano por un colectivo de artesanos indígenas en Brasil, utilizando únicamente material muerto o reciclado. Este enfoque subrayó el espíritu pionero de RVDK en la promoción de la moda respetuosa con el medio ambiente. La colección se abrió con diseños que jugaban magistralmente con la percepción. Los vestidos que inicialmente parecían ser hojas de palma naturales eran, de hecho, tela plisada “reinventada”, ingeniosamente superpuesta con pintura, unión, bordados y abalorios para crear un llamativo efecto de trampantojo.

La gama de looks mostró un fascinante juego de texturas y siluetas. Los diseños variaron desde mezclas de texturas ricas y salvajes hasta formas que recuerdan la elegancia zorra de la década de 1940, caracterizadas por hombros estructurados y sofisticados detalles peplum. Las combinaciones de tejidos eran atrevidas y eclécticas, con lunares junto a rayas y pata de gallo, y brocados yuxtapuestos con cuero y encaje. Otras prendas estaban adornadas con pájaros escultóricos y alas de insectos, creando la ilusión de un vuelo inminente. Sin embargo, a pesar de estos elementos fantásticos, la colección mantuvo su sofisticada identidad de alta costura, sin desviarse nunca hacia el ámbito del vestuario. Un abrigo vibrante, por ejemplo, fue ingeniosamente elaborado a partir de retazos de tela enviados al atelier de Ámsterdam en lo que eran esencialmente “bolsas de basura” de un amigo en Londres. Otra pieza innovadora, una chaqueta urbana hecha de tecno-tafetán, presentaba capas de bolsillos tipo bolsa que inesperadamente formaban un peplum moderno.

Más allá de su arte visual, la colección de van der Kemp transmitió un profundo mensaje sobre la responsabilidad de la moda con el planeta. Todo su espíritu de upcycling se basa en el principio de trabajar exclusivamente con materiales existentes, abogando por un cambio sistémico dentro de la industria. Defiende la idea de que la transformación debe venir desde dentro y anima a los diseñadores emergentes a adoptar prácticas sostenibles. Van der Kemp expresó su esperanza de que su modelo de negocio único demuestre la viabilidad de que la moda prospere fuera del sistema convencional, intensivo en recursos y extractivo. Después de una década, su negocio de alta costura es un testimonio de esta posibilidad, demostrando que un enfoque sostenible no solo puede existir, sino también florecer. La colección “waste-not, want-not” mostró una notable precisión en cada pieza. A través de esta colección, van der Kemp nos recordó poderosamente que hay “Amazonas” más allá del ámbito digital que merecen igualmente nuestra atención y cuidado. Sus diseños subrayaron bellamente la creencia de que la belleza puede ser un poderoso vehículo para llegar e inspirar a las personas.

On July 7, 2025, Tamara Ralph presented her Fall Winter 2025-2026 haute couture collection at Paris Couture Week, channeling the intricate beauty and bold geometry of the Art Deco era. This season, Ralph delivered a study in elegance with architectural silhouettes, old-world glamour, and technical craftsmanship, all unified by a restrained palette of ivory, rose gold, and black.

The Art Deco influence came through not only in surface embellishment but in the very architecture of the garments. Strong angles and structural contours provided the foundation for party-ready silhouettes that were both opulent and precise. Beaded creations encrusted with teardrop crystals shimmered like vintage chandeliers, while sculpted ensembles glimmered with crystal mesh and cascades of oversized pearls. These elements gave the collection a high-shine sophistication while honoring the ornamental minimalism of its 1920s and ’30s muse.

A notable opening look featured a sculpted resin bodice inlaid with hand-polished mother-of-pearl, an exemplar of the intense craftsmanship behind the collection. The piece, developed over months of prototyping and perfected through eight weeks of handwork, underscored Ralph’s commitment to couture-level detail. Similarly, the bridal look—crafted from a beaded base gown and topped with a mesh overlay adorned with meticulously stitched shell shards—closed the show with a poetic blend of fragility and strength.

Throughout the collection, rich textures and decorative flourishes balanced the clean lines and geometry. Draped and pleated silks enhanced the figure, while glittering tweeds, flounced taffetas, sweeping trains, and intricate bows added theatrical volume. Other memorable pieces included an ostrich leather coat paired with matching over-the-knee boots and a lavish ombré ostrich feather coat, marrying luxe materiality with avant-garde form.

Las siluetas curvilíneas en terciopelo negro afelpado, muchas de ellas con escotes corazón, evocaban el glamour clásico de Hollywood, acentuadas por bordados de perlas o suavizadas con superposiciones de tul en satén pálido. Ralph también inyectó fantasía a la línea con bordados con motivos de animales y una conmovedora aparición en primera fila: un vestido de tul bordado en miniatura que lució su hija pequeña reflejó un look de pasarela, reforzando sutilmente la relación íntima entre el diseñador y el diseño.

Las composiciones geométricas realizadas con cientos de lentejuelas de corneta sirvieron como sorprendentes homenajes al movimiento Art Decó en el año de su centenario. Estas creaciones escultóricas capturaron el espíritu de una época pasada al tiempo que refuerzan la sensibilidad de alta costura moderna de Ralph, una que encuentra el equilibrio entre la ornamentación y la precisión, el drama y el control.

La presentación de alta costura Otoño-Invierno 2025-2026 de Tamara Ralph fue, en esencia, una celebración de la artesanía atemporal y la moderación decorativa. Con su mezcla de rigor escultórico y glamour vintage, la colección ofreció un homenaje convincente al legado perdurable del Art Decó en la moda.

Imane Ayissi regresó a la Semana de la Alta Costura de París el 7 de julio de 2025, con una colección de alta costura Otoño/Invierno 2025-2026 poética y profundamente meditada titulada “Ikorrok”, que significa “barbecho” en ewondo, un idioma que se habla en el Camerún natal del diseñador. Esta temporada, Ayissi exploró el tema de la renovación de la naturaleza y el poder cíclico a través de una vitrina vibrante y táctil que fusionó a la perfección la herencia africana, la artesanía y la alta costura contemporánea.

La colección fue una oda visual a la transformación orgánica y la sostenibilidad. Utilizando una variedad de materiales biodegradables, incluidos algodones teñidos a mano, sedas, fieltro de lana y su característica rafia, Ayissi propuso un lujo que es profundamente respetuoso con la tierra. Estos materiales servían no solo como textiles, sino como herramientas narrativas, simbolizando la capacidad de la naturaleza para regenerarse incluso después de períodos de descanso y quietud.

En cuanto a la silueta, Ayissi mantuvo una mano afilada y entallada. Las formas clásicas se reinterpretaron con drapeados audaces, cortes precisos y tratamientos superficiales dinámicos. Un look destacado fue una chaqueta de fieltro de lana con bordes crudos en fucsia vivo, cuya estructura se suavizó con el delicado aplique floral de porcelana elaborado por la escultora francesa Aline Putot-Toupry. Este juego de crudeza y refinamiento se extendió a lo largo de toda la colección, subrayando el continuo interés de Ayissi en elevar materiales tradicionalmente “humildes” a objetos de gracia y prestigio.

El movimiento era otro elemento esencial. Rayas verticales de cuentas en paletas multicolores recorrían la longitud de los vestidos, evocando el parpadeo de los enjambres de insectos o el brillo del rocío. Un look particularmente llamativo, un mono tie-dye ceñido a la cintura, se realzó con intrincados abalorios de flecos, que recordaban a las telarañas temblorosas al amanecer. En otros lugares, los botones brillantes en forma de bicho agregaron un encanto inesperado a las piezas de sastrería, reforzando la narrativa de la naturaleza tejida en cada hilo.

Imane Ayissi regresó a la Semana de la Alta Costura de París el 7 de julio de 2025, con una colección de alta costura Otoño/Invierno 2025-2026 poética y profundamente meditada titulada “Ikorrok”, que significa “barbecho” en ewondo, un idioma que se habla en el Camerún natal del diseñador. Esta temporada, Ayissi exploró el tema de la renovación de la naturaleza y el poder cíclico a través de una vitrina vibrante y táctil que fusionó a la perfección la herencia africana, la artesanía y la alta costura contemporánea.

La colección fue una oda visual a la transformación orgánica y la sostenibilidad. Utilizando una variedad de materiales biodegradables, incluidos algodones teñidos a mano, sedas, fieltro de lana y su característica rafia, Ayissi propuso un lujo que es profundamente respetuoso con la tierra. Estos materiales servían no solo como textiles, sino como herramientas narrativas, simbolizando la capacidad de la naturaleza para regenerarse incluso después de períodos de descanso y quietud.

En cuanto a la silueta, Ayissi mantuvo una mano afilada y entallada. Las formas clásicas se reinterpretaron con drapeados audaces, cortes precisos y tratamientos superficiales dinámicos. Un look destacado fue una chaqueta de fieltro de lana con bordes crudos en fucsia vivo, cuya estructura se suavizó con el delicado aplique floral de porcelana elaborado por la escultora francesa Aline Putot-Toupry. Este juego de crudeza y refinamiento se extendió a lo largo de toda la colección, subrayando el continuo interés de Ayissi en elevar materiales tradicionalmente “humildes” a objetos de gracia y prestigio.

El movimiento era otro elemento esencial. Rayas verticales de cuentas en paletas multicolores recorrían la longitud de los vestidos, evocando el parpadeo de los enjambres de insectos o el brillo del rocío. Un look particularmente llamativo, un mono tie-dye ceñido a la cintura, se realzó con intrincados abalorios de flecos, que recordaban a las telarañas temblorosas al amanecer. En otros lugares, los botones brillantes en forma de bicho agregaron un encanto inesperado a las piezas de sastrería, reforzando la narrativa de la naturaleza tejida en cada hilo.

Hay desfiles de moda que deslumbran con la escala, y luego están los que se despliegan como un susurro: medidos, considerados y destinados a aquellos que escuchan con atención. La presentación de Julie de Libran en Alta Costura Otoño-Invierno 2025-2026 pertenecía firmemente a esta última. Alojada en su residencia personal en la orilla izquierda, con el jazmín floreciendo en el patio y la luz derramándose a través de los suelos de parquet, la colección se sintió menos como un evento y más como una reunión de espíritus afines. De Libran, que diseña tanto por intuición como por experiencia, ofreció una serie de looks que hablaban de la forma en que las mujeres realmente quieren sentirse con la ropa: seguras, hermosas e inconfundiblemente ellas mismas.

Esta temporada, las prendas reflejaron esa claridad emocional con una invención silenciosa. Un traje que parecía ser de tweed se reveló como denim texturizado, su suavidad compensada por brillantes ribetes de perlas. Un vestido columna de color champán, escalonado y plisado, se comportaba con el aplomo de una época pasada, pero nunca se sintió como un disfraz. La preferencia de De Libran por las telas de tirada limitada y de stock muerto significa que muchas piezas existen como expresiones singulares. Una de las prendas más destacadas, una falda de jacquard amarillo tejida en Italia y combinada con un corpiño con bordes peplum, fue posible gracias a la tela suficiente para crear una sola prenda. El primer look nupcial de la colección fue igualmente singular: un vestido blanco con falda larga y un dramático lazo en la espalda, parisino hasta la médula, que evoca la elegancia de mediados de siglo a través de una lente contemporánea.

El enfoque de De Libran hacia la alta costura combina los códigos del viejo mundo con la sensibilidad moderna. Un vestido de malla de estilo lencero ribeteado en encaje se estructuró con una chaqueta burguesa, mientras que los conjuntos de pijama holgados y las siluetas de esmoquin afiladas exploraron la tensión entre la suavidad y la fuerza. Sus piezas nunca gritan; sugieren. Incluso las prendas más delicadas (un vestido bohemio de gasa, una blusa de gasa plisada) llevan el peso de una artesanía meticulosa y el ojo entrenado de un diseñador para los detalles.

Los accesorios jugaron un sutil papel secundario, con bolsos de sobre delgados con cadenas finas y joyas de inspiración vintage que agregaron capas de refinamiento. Un collar en forma de corazón apareció más de una vez, anclando miradas con un toque sentimental. Este motivo también adornó el vestido de novia, reforzando la línea emocional de la colección. El amor y la naturaleza, explicó de Libran, estaban en el corazón de su inspiración. Era una idea que no necesitaba una justificación elaborada, solo un paseo por las habitaciones con aroma a jazmín para entenderla.

Lo que hace que el trabajo de De Libran sea convincente no es solo la ropa en sí, sino el mundo que construye a su alrededor. Su independencia, trabajando con talleres en Francia e Italia, produciendo en sus propios términos, agrega autenticidad a cada prenda. Hay un cierto orgullo que viene con usar algo tan personal, tan cuidadosamente hecho, que cuando se le pregunta: “¿Quién lo diseñó?”, la respuesta “Julie de Libran” se siente tan íntima como la ropa misma.

En la Semana de la Alta Costura de París FW25, Daniel Roseberry presentó la colección de Alta Costura Otoño/Invierno 2025-2026 de Schiaparelli en un desfile tan visualmente asertivo como conceptualmente cargado. Con el opulento telón de fondo del Petit Palais, Roseberry realizó un estudio cinematográfico de contrastes: futurismo entrelazado con códigos históricos, erotismo superpuesto a la artesanía y, sobre todo, una colección que se sintió como un homenaje y un desafiante salto adelante.

El desfile abrió con un gesto característicamente audaz: Cardi B, vestida con un escultural vestido corpiño negro con un escote cargado de flecos, posó fuera del lugar sosteniendo un cuervo en vivo. Este dramático preludio marcó la pauta de una colección impregnada de simbolismo temperamental, que hace referencia tanto al caos de la era de entreguerras como a la incertidumbre del clima actual de la moda. Apodada “Regreso al futuro”, la colección utilizó el legado surrealista de Elsa Schiaparelli como plataforma de lanzamiento para una intrépida interrogación de la forma, la superficie y la identidad.

Reduciendo la paleta a negro, plata y gris, Roseberry enfatizó la superficie sobre el color. Los adornos reflectantes ocuparon un lugar central: las lentejuelas plateadas irrumpieron en chaquetas negras entalladas con hombros arquitectónicos y en capas de tul diáfanas, sobre todo un riff moderno del diseño “Apolo de Versalles” de 1938. La tensión entre lo delicado y lo contundente dio a las siluetas una mayor urgencia, hablando del tema de un mundo al borde de la transformación.

Las construcciones anatómicas distintivas de Roseberry siguieron siendo centrales. Los corsés ajustados tallaban formas exageradas de reloj de arena, mientras que las almohadillas de las caderas y las corazas representaban el cuerpo femenino como armadura y objeto de deseo. Sin embargo, esta temporada, el cuerpo también quedó al descubierto. Un destacado vestido de cola de pez de satén negro con una espalda audazmente baja expuso una tanga de pedrería, un guiño

Los elementos fetichistas se integraron con un propósito. Un corpiño de estilo dominatrix en cuero negro pulido, placas anatómicas moldeadas con pezones erectos y detalles de arneses emergieron como motivos consistentes. Estas referencias, aunque evidentes, fueron esculpidas con precisión de alta costura, sobre todo en una pechera de satén gris perla adornada en cuero negro y un vestido encorsetado rojo sangre del que sobresalían pezones cromados como armas de vanguardia.

Los detalles mecánicos reforzaron aún más la estética surrealista y cyberpunk. Un collar con la forma de un corazón humano parecía palpitar con vida, mientras que el calzado escultural y las charreteras metálicas rígidas evocaban visiones tanto de armaduras de la era espacial como de atuendos de torero. En un look memorable, la chaqueta motera plateada de la modelo Anasofia Negrutsa con líneas afiladas evocaba una fusión de Blade Runner y Metrópolis: una heroína de un futuro retro que ya no estaba atada a las líneas de tiempo convencionales.

A pesar de que la colección se inclinaba hacia la teatralidad, había una claridad de visión subyacente. La habilidad de Roseberry para mezclar la disciplina de la alta costura con la lógica de los sueños reforzó la identidad perdurable de Schiaparelli como una casa que opera justo a la izquierda de la realidad. Esta temporada, sin embargo, el sueño se sintió más oscuro, un reflejo de un panorama de lujo cambiante y un diseñador listo para la transformación.

A medida que la moda se prepara para un cambio generacional en el liderazgo creativo, la colección Otoño/Invierno 2025-2026 de Schiaparelli se erige como culminación y catalizador. Los diseños de Roseberry canalizaron la inquietud del momento en algo profundamente expresivo, insinuando una evolución inminente no solo para la casa, sino para el mundo de la alta costura en general. El surrealismo de las prendas se hizo eco del surrealismo de la época: una despedida adecuada de una época y el plan para la siguiente.